Acorde a ARTnews: las curadoras Rita González y Mari Carmen Ramirez hablan del apoyo al arte latino
- OCA | News
- 25 feb 2021
- 31 Min. de lectura
Rita González es la directora de arte contemporáneo del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Se unió al museo en 2004 y ha comisariado exposiciones influyentes allí, como "Avistamientos fantasmales: Arte después del movimiento chicano" (en 2008), "Asco: Elite of the Obscure, A Retrospective, 1972-1987" (2011) y una historia universal de infamia ”(2017). "
POR MAXIMILIANO DURÓN / ARTnews: / 23 de febrero / 2021 / OCA|News Internacional
También ha realizado importantes adquisiciones de arte latino para la colección permanente del museo, incluidas piezas de Laura Aguilar y rafa esparza.
Mari Carmen Ramírez es curadora de arte latinoamericano en el Museo de Bellas Artes de Houston y directora del brazo de investigación del museo, el Centro Internacional de las Artes de las Américas. Fue contratada en 2001 para construir el departamento de arte latinoamericano del museo y ha aumentado su colección a 800 obras, incluidas piezas clave de Lygia Clark, Carlos Cruz-Diez, Gego, Hélio Oiticica, Joaquín Torres-García y Cildo Meireles, también. como Luis Jiménez, Daniel Joseph Martínez y Teresa Margolles. Entre las exposiciones importantes que ha sido co-curadora se encuentran “Utopías invertidas: arte de vanguardia en América Latina” (2004) y “Hogar: tan diferente, tan atractivo” (2017).
González y Ramírez se unieron a ARTnews en octubre para una videoconferencia para discutir los problemas que enfrentan los curadores de museos durante la pandemia, los nuevos edificios en sus instituciones y la importancia del arte latinoamericano y latinx.
ARTnews: La pandemia de coronavirus ha obligado a los museos a conectarse con su público y comunidad de forma digital, de formas nunca antes vistas. Como curadores, ¿este alcance global digital ha impactado o cambiado la forma en que piensan sobre la construcción o instalación de una exposición?
Rita González: No creo que eso haya cambiado mi forma de pensar o trabajar, pero sí ha impactado en nuestros viajes y en lo que estamos expuestos. En el pasado, estábamos mucho más viajando, mirando bienales y estudios de artistas, llevando grupos a diferentes lugares y también pudiendo ver a nivel nacional lo que nuestras instituciones hermanas [y] hermanas están haciendo, así que imagino que habría estado en Houston para ver la inauguración del nuevo edificio de la MFA, y ahora no lo estoy. Eso afecta lo que veo y lo que pienso para el futuro, y ha sido asfixiante, tengo que decirlo. Hay mucho de lo que puede mantenerse al día en el mundo virtual. Quiero decir, es genial ver imágenes de las galerías en línea, pero no es lo mismo, y el tipo de conversaciones que habríamos tenido si hubiera ido a Houston o Nueva York no es el mismo, y eso afecta la investigación y la trayectoria de las exposiciones. Pero diré que debido a Covid, en términos de un cambio económico, llevará años, y en ese tiempo, creo que todos estamos siendo empujados a reevaluar la colección permanente. Vamos a profundizar mucho en nuestras historias institucionales, en el tipo de conversaciones que podemos tener con nuestras colecciones. Esperamos profundizar en las adquisiciones y evaluar realmente los vacíos que deben llenarse.
Mari Carmen Ramirez: Esta situación realmente nos ha circunscrito a la pantalla y a las visitas a los estudios digitales, pero aún no es lo mismo que estar frente a la obra o visitar en persona. Eso es ciertamente una limitación. En el campo en el que trabajo, el arte latinoamericano, me preocupan las implicaciones. Estamos sufriendo aquí en Estados Unidos, pero los países de América Latina van a sufrir aún más y ya están sufriendo. La posibilidad de crear asociaciones o continuar y consolidar asociaciones con instituciones allí se verá afectada. [Y lo mismo con] la posibilidad de hacer exposiciones a gran escala como “Utopías invertidas” o cualquiera de estas grandes exposiciones que han sido críticas para nuestros campos, porque implican ensamblar obras que nunca antes se habían visto en Estados Unidos que vienen. de diferentes prestamistas, colecciones e instituciones de muchos países diferentes. Tendremos que esperar y ver, pero creo que uno de los efectos de esto va a obligar a nuestras instituciones a centrarse más en lo local. Creo que ambos estamos en instituciones a las que les gusta pensar en sí mismas como instituciones globales, y pasamos mucho tiempo buscando expandir nuestro alcance y traer artistas de lugares remotos para mostrar en Los Ángeles o Houston, pero creo que esto La situación también nos va a obligar a mirar a los artistas locales y a reinventar las relaciones de los museos de arte con nuestras comunidades locales, ya sean latinas, afroamericanas, asiáticas o musulmanas.
ARTnews: Ambas instituciones tienen grandes negocios Identificación de proyectos en proceso. En el MFA Houston, el nuevo edificio de Kinder verá al arte latinoamericano y latinoamericano obtener su primera colección dedicada y permanente de galerías. Mari Carmen, ¿cómo le indica este edificio al público cuál será el futuro del museo?
Ramírez: Las colecciones de diseño y artesanía, fotografía, grabados y dibujos, y arte latinoamericano y latino son el aspecto de más rápido crecimiento del museo. En 2003 recibimos un enorme legado de Caroline Wiess Law, quien fue una de nuestras principales patrocinadoras, y eso se tradujo en un importante fondo de adquisiciones para el arte de los siglos XX y XXI, por lo que la colección ha ido creciendo exponencialmente desde entonces. Pero nunca hemos tenido galerías permanentes para estas categorías. Nos hemos visto obligados a mostrar nuestras colecciones de forma rotativa, básicamente tratarlas como exposiciones temporales. El nuevo edificio proporcionará un espacio para estas colecciones. Para mí, esto representa la culminación del proyecto de construir la colección del museo de arte latinoamericano y latinx. Sé que LACMA ha tenido en el pasado galerías dedicadas al arte latinoamericano y latinx, pero realmente hay muy pocos museos en los Estados Unidos que tengan ese tipo de espacio dedicado.
El edificio previsto de las Galerías Geffen de LACMA tendrá un nivel para mostrar sus fondos de varios departamentos juntos, donde los diversos períodos y estilos de la historia del arte seguramente se encontrarán entre sí.
El edificio previsto de las Galerías Geffen de LACMA tendrá un nivel para mostrar sus fondos de varios departamentos juntos, donde los diversos períodos y estilos de la historia del arte seguramente se encontrarán entre sí.
González: Houston y Los Ángeles son almas gemelas de muchas maneras. En Los Ángeles tiene el surgimiento de un museo enciclopédico a mediados del siglo XX; es un recién llegado en términos de la historia de los museos generales de los Estados Unidos. Entonces, existe un paralelo entre su historia y el desarrollo de las comunidades artísticas en Los Ángeles. Las cosas han cambiado mucho, especialmente en los últimos cinco años, en términos de cómo los departamentos están perdiendo ese sentido de estos pequeños feudos. Las formas en las que podemos trabajar juntos entre departamentos y colecciones se han ampliado realmente. Eso será parte de lo que impulsa la forma en que trabajaremos juntos para el edificio Zumthor, o las Galerías Geffen, como se les llama. Ya tenemos más de 200 propuestas en las que hemos trabajado juntos, por lo que será un proceso de pasar por todas ellas. El espacio es de un piso, por lo que se trata de una versión lateral de la historia del arte, no ingresando a través de un punto de vista particular, sino a través de esta noción de trayectorias múltiples y pistas paralelas. Soy optimista sobre la riqueza y complejidad. Creo que verás tanto una continuidad de ciertas tradiciones como una oportunidad para innovar y poner cosas en proximidad que probablemente no habrían estado en proximidad antes. El edificio Zumthor no se hizo pensando únicamente en el arte moderno y contemporáneo. Abarca la inmensidad de las colecciones, por lo que el papel del contemporáneo será intermitente, entretejido en todas partes. Esos primeros años de establecimiento de las Galerías Geffen serán muy pesados en la colección, especialmente antes de los Juegos Olímpicos de 2028.
Ramírez: Un aspecto que quiero subrayar sobre el mundo del arte aquí en Estados Unidos es la sensación de que todo lo que sucede en el mundo del arte es básicamente sobre Nueva York y no sobre otros lugares. Creo que eso le ha dado a los principales museos como LACMA y Houston cierta libertad y flexibilidad para enfocarse realmente en otras áreas de coleccionismo. Una de las cosas de las que nos dimos cuenta cuando comenzamos a hacer presentaciones para el edificio Kinder fue que la fotografía, los grabados y los dibujos, el arte latinoamericano y el diseño y la artesanía del siglo XX fueron áreas que realmente se destacaron en la década de 1970. Estas no existían como áreas de recolección, por lo que dice algo sobre la institución que [se] enfocó en áreas que aún tenían posibilidades de desarrollo en términos de hacer accesiones muy grandes e importantes. Como dijo Rita, estas son instituciones jóvenes en comparación con otros museos enciclopédicos en los Estados. Cuando comencé, la identidad del museo aún no estaba completamente definida, por lo que el arte latinoamericano podría aportar algo especial a esa identidad. El hecho de que hayamos podido construir una colección tan ambiciosa en tan poco tiempo habla de esa ambición de colocar realmente al museo en una posición estratégica de liderazgo.
ARTnews: ¿Cómo se mostrará la colección en el edificio de Kinder? ¿Qué es lo que más le entusiasma exhibir allí?
Ramírez: Ha sido un proceso muy largo y en ocasiones fue muy difícil navegar entre hacer algo que era, desde el punto de vista curatorial, muy innovador, pero al mismo tiempo, revelador, dándole a la gente un sentido de lo que hemos hecho. recolectado y cómo lo recolectamos porque solo habían visto diferentes fragmentos de él. La solución fue tener e un edificio de tres pisos: en el segundo piso tenemos galerías dedicadas por departamento, y en el primer y tercer piso tenemos espectáculos temáticos así como una serie de encargos que se hicieron especialmente para el edificio. En el segundo piso decidí centrar toda la presentación en el constructivismo en América Latina, que engloba la colección Lerner, de la que se muestra una parte importante, y también obras que hemos recopilado de Joaquín Torres-García y la Escuela del Sur. .
En el tercer piso tenemos una galería donde Gego es el artista principal. Les presenté a mis compañeros 30 obras de Gego, y ellos respondieron con obras de sus colecciones que dialogan con Gego. Es una hermosa galería que tiene de todo, desde joyas hasta muebles y obras de Ruth Asawa [y] Josef Albers. Luego tenemos otra galería sobre el color y la luz, donde artistas como Carlos Cruz-Diez y Hélio Oiticica tienen papeles protagónicos en el diálogo con Albers, Hans Hofmann y Kenneth Noland. Estamos mostrando las fortalezas de la colección y las fortalezas de algunos movimientos históricos muy importantes en América Latina, pero al mismo tiempo, estamos poniendo a artistas latinoamericanos y "latinx" en diálogo con artistas europeos y estadounidenses. Creo que eso también es algo que podemos hacer aquí en Houston que quizás otros museos no puedan hacer con la misma facilidad o con la misma flexibilidad.
González: No se puede dejar de enfatizar lo verdaderamente significativo y revolucionario que será tener eso, porque durante tantos años, Mari Carmen, tuviste que enfrentar esta noción de que el arte latinoamericano era "derivado de" o "secundario". Entonces, tener la primacía de Gego en ese espacio y luego tener esa constelación que emana de Gego va a ser realmente maravilloso, pero también muy significativo para el espacio museológico y para la historia del arte. No puedo esperar a verlo.
Ramírez: También tienes las artes decorativas y el diseño, que también son áreas que nunca se han considerado en el mismo plano que la pintura y la escultura. En todo lo que hemos estado haciendo por el edificio Kinder, particularmente el tercer piso, están completamente integrados. Fue un esfuerzo muy duro tener este tipo de integración interdisciplinaria.
El edificio previsto de las Galerías Geffen de LACMA tendrá un nivel para mostrar sus fondos de varios departamentos juntos, donde los diversos períodos y estilos de la historia del arte seguramente se encontrarán entre sí.
El edificio previsto de las Galerías Geffen de LACMA tendrá un nivel para mostrar sus fondos de varios departamentos juntos, donde los diversos períodos y estilos de la historia del arte seguramente se encontrarán entre sí.
ARTnews: Rita, esa integración interdisciplinaria parece ser el objetivo de las Galerías Geffen cuando se abre el edificio Zumthor, ¿correcto?
González: Las propuestas aún están en desarrollo pero creo que habrá, como describió Mari Carmen, algunas unidades consistentes en términos de las fortalezas de LACMA, como el arte de las Américas antiguas o un espacio enfocado en la colección colonial latinoamericana que [ curadora de arte latinoamericano] Ilona Katzew se ha estado construyendo. Habrá cosas bastante concretas que se esperarán como vitrinas de las colecciones, pero el curso que tomen los visitantes en cuanto a la arquitectura y el diseño del edificio proporcionará estas colisiones o adyacencias que no hubiéramos tenido en los días. de un edificio de Bellas Artes con diferentes alas. Ahora, tendrá estas presentaciones paralelas y contingentes.
Ramírez: Parece que ese edificio te dará la flexibilidad para ese tipo de intersecciones entre el arte antiguo y el arte moderno y contemporáneo. En nuestro caso, todavía estaremos divididos por los edificios, por lo que no estamos tratando de mezclar los viejos maestros con lo moderno y lo contemporáneo, pero creo que también debería estar sobre la mesa porque esas son las formas de reinventar todas estas narrativas.
ARTnews: Ambos han contribuido decisivamente a ampliar las colecciones de sus museos mediante adquisiciones. ¿Cuál ha sido su enfoque con respecto a qué agregar, qué brechas llenar, dónde profundizar?
Ramírez: En mi caso, me invitaron a establecer el departamento de América Latina en 2001, entonces, en ese momento, estábamos comenzando completamente desde cero. El museo había adquirido a lo largo de los años obras de arte latinoamericano, pero sin ningún tipo de esfuerzo sistemático para construir la colección. Hay una representación significativa de fotógrafos latinoamericanos en la colección, porque Ann Tucker, quien fue nuestra inconformista curadora de fotografía durante casi 30 años, viajó por América Latina y compró varias fotografías. En términos de todo lo demás, esta fue una tarea abrumadora en muchos sentidos, tratar de construir una colección, porque tienes más de 20 países, además de la población latina.
El criterio que establecí en ese momento fue coleccionar arte que empujara los límites, que estuviera en la tradición de las vanguardias, y enfocarme en obras paradigmáticas que contaran esa historia. Mi enfoque ha sido que las exposiciones sirvan como una matriz para construir la colección, como con "Utopías invertidas". Una de las cosas interesantes de “Utopías invertidas” es que presentamos tanto arte que era realmente importante, pero que no tenía mercado aquí en los Estados Unidos. Pudimos adquirir muchas de esas obras porque estábamos por delante de la curva y los precios eran realmente sorprendentes. Apostamos por artistas que no tienen mercado aquí en Estados Unidos, pero como tenemos un centro de investigación, el Centro Internacional de las Artes de las Américas, sabíamos que estos artistas eran realmente importantes en sus países y para el desarrollo de América Latina. arte o, a veces, incluso el modernismo en general.
González: Este es el tipo de doble deber que ha tenido que hacer Mari Carmen y que nosotros también hemos tratado de hacer: tienes que presentar el caso a los donantes, al público, incluso antes de llegar a la posibilidad de una adquisición. . Tienes que hacer los años de investigación y la presentación, la publicación académica, porque tienes que establecer esa importancia. En LACMA, las adquisiciones se han producido después de importantes exposiciones académicas. Antes de estar aquí, “The Road to Aztlan” fue una exhibición pionera que hicieron Virginia Fields y Victor Zamudio-Taylor para establecer un argumento sobre la transhistoricidad, sobre la importancia de la indigenidad para el Movimiento de Arte Chicano y para observar los vínculos entre Arte mexicano y arte latino. Eso quedó establecido en su argumentación, y luego fuimos capaces de adquirir obras poco a poco. O "Más allá de la geometría" de Lynn Zelevansky, donde pudo incorporar lentamente obras de Cildo Meireles y Hélio Oiticica y otros para globalizar la historia del arte conceptual. Con "Phantom Sightings", sentamos las bases para una generación de artistas chicanos que surgieron en los años 80 y 90, y luego pudimos adquirir mucho. Y luego ambos PST [iniciativas de exhibición de Pacific Standard Time] financiaron tantas becas nuevas, para poder representar la diversidad de la historia de la creación de arte en Los Ángeles. Hemos tenido que, poco a poco, aprovechar estas exposiciones y otros eventos coleccionistas para educar a los coleccionistas para que puedan apoyar estas adquisiciones, porque muchas veces están fuera del canon.
Ramirez: Las exposiciones en nuestra área de arte latinoamericano y latinx han sido fundamentales. Esa es una de las razones por las que antes expresaba mi preocupación por nuestra capacidad para seguir haciendo exposiciones como esta durante los próximos años, porque estos son campos que no tienen mercado aquí, no tienen una base de recolección; somos las instituciones que estamos introduciendo estos nuevos valores, y lo estamos haciendo a través de exposiciones y catálogos cuidadosamente investigados que establecen un mercado para estos artistas. Este es un papel fundamental que juegan instituciones como LACMA y el MFAH.
ARTnews: Ambos trabajos curatoriales han puesto a artistas latinoamericanos y latinx en conversación y diálogo. Recientemente, ha habido críticas al respecto. ¿Puedes hablar sobre tu enfoque al respecto y por qué tiene sentido para el trabajo que haces?
Ramírez: En este momento, el arte latinoamericano y el arte latinx se ven como campos separados, y hay vociferantes defensores de mantenerlo así. No soy uno de ellos. Desde que comenzamos este programa aquí en Houston, adoptamos un enfoque hemisférico de este arte. Consideramos que el arte latinoamericano y latinx comparten algunas características básicas y fundamentales, y para mí, esa es la agenda para el futuro. Obviamente, se trata de comunidades muy heterogéneas y extremadamente diversas y existe una disparidad entre esas dos comunidades. Durante las últimas dos décadas, el arte latinoamericano se ha convertido en un fenómeno de mercado y está en proceso de convertirse en una corriente principal. Ese no es el caso del arte Latinx. No tiene una gran base de coleccionistas, ni una sólida base institucional, ni un mercado, pero creo que lo logrará. Nuestro papel es explorar las muchas afinidades entre estos dos grupos y las muchas diferencias, y unir a los dos grupos, porque la realidad es que el campo del arte Latinx es completamente diferente al de las décadas de 1960 y 1970. Es una comunidad que se ha disparado de manera exponencial. Los artistas se entremezclan y no sabemos qué va a salir de eso. Es nuestro papel como instituciones apoyarlo e investigarlo, profundizarlo mostrándolo, creando publicaciones, invitando a artistas, sin necesariamente desglosarlo en dos áreas separadas.
González: Creo que es un fracaso de la crítica de arte convencional y del mundo del arte en general, no reconocer el transculturalismo dentro de la experiencia Latinx. Se ha asumido que se trata de identidades hiper localizadas y que no estaban en contacto con una red global ni influían en ella ni estaban influidas por ella. Eso es algo que C. Ondine Chavoya y yo exploramos en la retrospectiva de Asco y por qué incluimos la interfaz que tenían con No Grupo o los grupos de arte conceptual en la Ciudad de México o las conexiones que tenían, porque todos estaban involucrados en correspondencia. arte, por eso se comunicaban con artistas de Uruguay y Tokio. Existía la suposición de que alguien como Rupert García no estaba al tanto de las luchas del Tercer Mundo en Vietnam o en Cuba, pero lo estaba. Hay una dimensión global del arte chicano / latino, así como hubo comunicación entre los artistas puertorriqueños y los artistas chicanos de California. Nunca haría un enfoque de tipo Latinx-art-for-Latinx-art's-sake. Tiene que estar fundamentado y tenemos que ser conscientes de nuestra metodología curatorial. Creo que la presentación de Marcela Guerrero en el Whitney fue increíble y realmente presionó botones, porque estaba analizando las discusiones sobre la indigenidad en las Américas. Realmente pudimos ver estas relaciones entre prácticas artísticas dispares, pero a través de intereses conceptuales contiguos.
Entre las obras históricamente significativas de artistas latinoamericanos que Ramírez ha adquirido para el MFA Houston se encuentra La ciudad hidroespacial (La ciudad hidroespacial) de Gyula Kosice, 1946-1972.
Entre las obras históricamente significativas de artistas latinoamericanos que Ramírez ha adquirido para el MFA Houston se encuentra
La ciudad hidroespacial (La ciudad hidroespacial) de Gyula Kosice, 1946-1972.
Ramírez: Pasamos por esta experiencia en el Centro Internacional de las Artes de las Américas cuando construimos su archivo. Teníamos equipos en diferentes ciudades de América Latina y EE. UU., Y en las primeras etapas del proyecto solíamos hacer estas conferencias anuales en las que reunimos a todos los investigadores. Tendríamos, por ejemplo, un equipo en Chile que intentaba localizar a artistas que habían salido de Chile debido a la dictadura y huyeron a los Estados Unidos, y nuestro equipo en Los Ángeles se daría cuenta de que esos artistas chilenos eran parte de una industria gráfica colectivo en Los Ángeles La historia del colonialismo, la historia del racismo, la historia del catolicismo, el idioma español: hay una serie de cosas que unen a estos dos grupos y creo que los esfuerzos para separarlos tienen que ver más con estrategias políticas que con la realidad actual de la forma en que los dos se entremezclan.
ARTnews: Creo que también tiene que ver con este sentido de especificidad y sentimiento de borrado. Y cómo puede haber invisibilidad y la necesidad de crear un espacio, similar a lo que ha hecho con el arte latinoamericano durante los últimos 20 años en Houston.
Ramírez: El arte latino aún carece de apoyo institucional. Tengo la esperanza de que algunas de las exhibiciones aquí en Houston, donde vamos a tener artistas latinx junto a artistas estadounidenses y europeos, llamarán la atención sobre eso. Pero necesitamos más instituciones que muestren a los artistas y los muestren. El problema es que el arte Latinx no tiene infraestructura. Hay muy pocos museos que realmente estén haciendo este trabajo. Es como un círculo vicioso de la gallina y el huevo porque si no tienes esa visibilidad, entonces no tienes un mercado, entonces no tienes exhibiciones, y eso lo pasamos con el arte latinoamericano. Mucha gente quiere decir que el arte latinoamericano ya lo hizo. No creo que eso sea cierto en absoluto. Eso es cierto para unos pocos artistas selectos que forman parte del circuito global, pero no para la mayoría de los artistas de América Latina. Y si abre cualquier libro de texto de arte del siglo XX o arte del siglo XXI, no encontrará artistas latinoamericanos, o tal vez solo Lygia Clark, Hélio Oiticica, Wifredo Lam, y eso es todo.
ARTnews: Rita, ¿cómo ves la posición del arte Latinx dentro del contemporáneo global?
González: Como decía Mari Carmen, es necesario que haya más instituciones que estén abriendo un espacio y haciendo una plataforma para los artistas latinx. No pueden ser solo Houston, Miami y L.A., porque la verdad es que hay latinos en todos los estados y regiones.
Ramírez: Están en todas partes y están aquí para quedarse.
González: Exactamente. Yo también tengo esperanzas porque creo que las fundaciones filantrópicas están comenzando a abordar esto, y con ese tipo de solidez de apoyo, podremos obtener más reconocimiento y más apoyo para artistas individuales. Pilar Tompkins Rivas y yo fuimos las curadoras de las comisiones especiales en Frieze L.A. [en febrero de 2020], y realmente queríamos darle primacía. Cuando caminó hacia el estacionamiento trasero de Paramount, lo primero que vio fue el trabajo de Gabriella Sánchez. Existe este libro que acaba de publicar Arlene Dávila [Latinx Art: Artists, Markets, and Politics], que ofrece una perspectiva sociológica y anecdótica interesante, una perspectiva muy necesaria porque se basa en las muchas conversaciones que ha tenido y te da la sensación de que la gente ha compartido cosas con ella que es posible que no haya compartido en foros públicos, por lo que está al tanto de estas conversaciones secretas en las que los coleccionistas le dicen lo que realmente piensan. Este tipo de transmisión es importante porque ahora sabemos a qué nos enfrentamos. Este año, el movimiento Black Lives Matter realmente ha impulsado a las galerías de arte comerciales a abordar cuestiones de justicia social y diversidad en sus programas.
[Lea una entrevista con Arlene Dávila sobre su reciente libro sobre el arte latino y el mercado].
Ramírez: Creo que estamos en un punto sin retorno. Definitivamente debería transformar las prácticas de las galerías, las prácticas curatoriales y las prácticas institucionales, y llevar a los museos a reinventarse. Creo que tanto el arte latinoamericano como el latinx han sido pensados como una especie de valor agregado para los museos. Pero no es solo un valor agregado. Estas comunidades están transformando las ciudades de estos museos, sus estados, sus regiones y el propio país. La población blanca está disminuyendo en los Estados Unidos. Ya es minoría en muchos lugares. Y son todas estas otras comunidades diversas y complejas las que serán las audiencias en el futuro. Para los museos enciclopédicos en particular, existe una necesidad urgente de reinventar quiénes son, su función, sus objetivos en relación con estas comunidades. En última instancia, se trata de la supervivencia de la institución.
The ARTnews Accord: Curators Rita Gonzalez and Mari Carmen Ramirez Talk Supporting Latin American and Latinx Art
Rita Gonzalez is the head of contemporary art at the Los Angeles County Museum of Art. She joined the museum in 2004 and has curated influential exhibitions there, including “Phantom Sightings: Art after the Chicano Movement” (in 2008), “Asco: Elite of the Obscure, A Retrospective, 1972–1987” (2011), and “A Universal History of Infamy” (2017).
POR MAXIMILIANO DURÓN / ARTnews: / 23 de febrero / 2021 / OCA|News Internacional
She has also made important acquisitions of Latinx art for the museum’s permanent collection, including pieces by Laura Aguilar and rafa esparza.
Mari Carmen Ramirez is a curator of Latin American art at the Museum of Fine Arts, Houston, and director of the museum’s research arm, the International Center for the Arts of the Americas. She was hired in 2001 to build the museum’s Latin American art department and has grown its collection to 800 works, including key pieces by Lygia Clark, Carlos Cruz-Diez, Gego, Hélio Oiticica, Joaquín Torres-García, and Cildo Meireles, as well as Luis Jiménez, Daniel Joseph Martínez, and Teresa Margolles. Among the important exhibitions she has co-curated are “Inverted Utopias: Avant-Garde Art in Latin America” (2004) and “Home—So Different, So Appealing” (2017).
Gonzalez and Ramirez joined ARTnews in October for a videoconference to discuss issues facing museum curators during the pandemic, the new buildings at their institutions, and the importance of Latin American and Latinx art.
ARTnews: The coronavirus pandemic has forced museums to connect with their audiences and community digitally, in ways never seen before. As curators, has this digital global reach impacted or changed the way in which you think about building or installing an exhibition?
Rita Gonzalez: I don’t think that has changed the way I think or work, but it has impacted our travel and what we are exposed to. In the past, we would be on the road much more, looking at biennials and artist studios, taking groups to different places, and also getting to see domestically what our sister [and] brother institutions are doing, so I imagine I would have been in Houston to see the opening of the MFA’s new building, and now I’m not. That impacts what I’m seeing and what I’m thinking for the future, and it’s been stifling, I have to say. There is only so much you can keep up on in the virtual world. I mean, it’s great to see images of the galleries online but it’s not the same, and the kinds of conversations that we would have had if I’d gone to Houston or New York aren’t the same, and that affects the research and the trajectory of exhibitions. But I will say that because of Covid, in terms of an economic turnaround, it’s going to take years, and in that time, I think we are all being pushed to reassess the permanent collection. We are going to go really deep into our institutional histories, really deep into the kind of conversations we can have with our collections. We hope to go deep into acquisitions and really assess the gaps that need to be filled.
Mari Carmen Ramirez: This situation has really circumscribed us to the screen and to digital studio visits, but it is still not the same thing as being in front of the work or visiting in person. So that is certainly a limitation. In the field that I work in, Latin American art, I worry about the implications. We are suffering here in the United States, but the countries in Latin America are going to suffer even more and are already suffering. The possibility of building partnerships or continuing and consolidating partnerships with institutions down there is going to be impacted. [And the same with] the possibility of doing large-scale exhibitions like “Inverted Utopias” or any of these big exhibitions that have been critical for our fields, because they involve assembling works that have never been seen in the United States before that come from many different lenders, collections, and institutions from many different countries. We will have to wait and see, but I think that one of the effects of this is going to be forcing our institutions to focus more on the local. I think we are both at institutions that like to think of themselves as global institutions, and we spend a lot of time looking to expand our purview and to bring artists from far-flung places to show in L.A. or Houston, but I think that this situation is also going to force us to look at local artists, and to reinvent the relationships of art museums to our local communities, be they Latinx, African American, Asian, or Muslim.
ARTnews: Both of your institutions have major building projects in the works. At the MFA Houston, the new Kinder building will see Latin American and Latinx art get its first dedicated, permanent collection galleries. Mari Carmen, how does this building signal to the public what will be the future of the museum?
Ramirez: The collections of design and craft, photography, prints and drawings, and Latin American and Latinx art are the fastest-growing aspect of the museum. In 2003 we received a huge bequest from Caroline Wiess Law, who was one of our major patrons, and that translated into a very hefty acquisitions fund for 20th-century and 21st-century art, so the collection has been growing exponentially since then. But we have never had permanent galleries for these categories. We have been forced to show our collections on a rotating basis, basically treat them as temporary exhibitions. The new building is going to provide a space for these collections. For me, this represents the culmination of the project of building the museum’s collection of Latin American and Latinx art. I know LACMA has had in the past galleries dedicated to Latin American and Latinx art but there are really very few museums in the United States that have that kind of dedicated space.
Gonzalez: Houston and Los Angeles are really kindred spirits in so many ways. In Los Angeles you have the emergence of an encyclopedic museum in the mid-20th century—it’s a latecomer in terms of the United States’ history of general museums. So there’s a parallel between its history and the development of artistic communities in Los Angeles. Things have really shifted, especially in the last five years, in terms of how departments are losing that sense of these little fiefdoms. The ways in which we can work together across departments and collections have really expanded. That is going to be a part of what drives how we’ll work together for the Zumthor building, or the Geffen Galleries, as they’re called. We already have over 200 proposals that we’ve worked on together, so it’s going to be a process of going through all of these. The space is one floor, so it’s about a lateral version of art history, not entering through one particular vantage point but through this notion of multiple trajectories and parallel tracks. I am optimistic about the richness and complexity. I think you will see both a continuity of certain traditions and an opportunity to innovate and put things in proximity that probably would not have been in proximity before. The Zumthor building wasn’t made with only modern and contemporary art in mind. It will encompass the vastness of the collections, so the role of the contemporary will be intermittent, woven throughout. Those first few years of establishing the Geffen Galleries is going to be very heavy on the collection, especially leading up to the 2028 Olympics.
Ramirez: One aspect that I want to underscore about the art world here in the United States is the sense that everything that happens in the art world is basically about New York and not about other places. I think that has given major museums like LACMA and Houston a certain latitude and flexibility to really focus on other collecting areas. One of the things that we realized when we started making presentations for the Kinder building was that photography, prints and drawings, Latin American art, and 20th-century design and craft were areas that really came into their own in the 1970s. These did not exist as collecting areas, so it says something about the institution that [it] focused on areas that still had possibilities of development in terms of making very large, important accessions. As Rita said, these are young institutions in comparison to other encyclopedic museums in the States. When I started, the museum’s identity was still not fully defined, so Latin American art could bring something special to that identity. The fact that we’ve been able to build such an ambitious collection in such a short time speaks to that ambition to really place the museum in a strategic position of leadership.
ARTnews: How will the collection be displayed in the Kinder building? What are you most excited about displaying there?
Ramirez: It’s been a very long process and it was at times very difficult to navigate between doing something that was, from a curatorial point of view, very innovative, but at the same time, revealing, giving people a sense of what we’ve collected and how we collected it because they had seen only different fragments of it. The solution was to have a building with three floors: on the second floor we have dedicated galleries by department, and on the first and third floors we have thematic shows as well as a series of commissions that were done especially for the building. On the second floor, I decided to focus the whole presentation on constructivism in Latin America, which encompasses the Lerner collection, a significant part of which is being shown, and also work we have collected by Joaquín Torres-García and the School of the South.
On the third floor we have a gallery where Gego is the leading artist. I presented to my colleagues 30 works by Gego, and they responded with works from their collections that dialogue with Gego. It’s a beautiful gallery that has everything from jewelry to furniture to work by Ruth Asawa [and ] Josef Albers. Then we have another gallery about color and light, where artists like Carlos Cruz-Diez and Hélio Oiticica have leading roles in dialoguing with Albers, Hans Hofmann, and Kenneth Noland. We are showing the strengths of the collection and the strengths of some very important historic movements in Latin America, but at the same time, we’re placing Latin American and Latinx artists in dialogue with European and American artists. I think that that’s also something that we can do here in Houston that perhaps other museums cannot really do as easily or with the same flexibility.
Gonzalez: You cannot overemphasize how truly significant and groundbreaking it will be to have that, because for so many years, Mari Carmen, you had to face this notion that Latin American art was “derivative of” or “secondary to.” So, to have the primacy of Gego in that space and then have that constellation sort of emanating from Gego is going to be really marvelous, but also so significant to the museological space and to art history. I can’t wait to see it.
Ramirez: You also have decorative arts and design, which are also areas that have never really been considered on the same plane as painting and sculpture. In everything we have been doing for the Kinder building, particularly the third floor, they are completely integrated. It was a very hard push to have this kind of interdisciplinary integration.
ARTnews: Rita, that interdisciplinary integration seems to be the goal of the Geffen Galleries when the Zumthor building opens, correct?
Gonzalez: The proposals are still in development but there will be, I think, as Mari Carmen described, some consistent units in terms of the strengths of LACMA, like the art of ancient Americas or a focused space on the colonial Latin American collection that [curator of Latin American art] Ilona Katzew has been building. There will be things that are quite concrete that will be expected as showcases of the collections, but the course visitors take in terms of the architecture and the layout of the building will provide these collisions or adjacencies that we wouldn’t have had in the days of a Beaux-Arts building with different wings. Now, you’ll have these parallel and contingent presentations.
Ramirez: It sounds like that building will give you the flexibility for those kinds of intersections between older art and modern and contemporary art. In our case, we’ll still be divided by the buildings, so we’re not trying to mix Old Masters with modern and contemporary, but I think it should also be on the table because those are the ways of reenvisioning all these narratives.
ARTnews: You have both been instrumental in expanding your museums’ collections through acquisitions. What has been your approach regarding what to add, which gaps to fill, where to go deeper?
Ramirez: In my case, I was invited to establish the Latin American department in 2001, so, at that point, we were starting completely from scratch. The museum had throughout the years acquired works of Latin American art, but without any kind of systematic effort to build the collection. There is significant representation of Latin American photographers in the collection, because Ann Tucker, who was our maverick curator of photography for almost 30 years, traveled in Latin America and bought a number of photographs. In terms of everything else, this was an overwhelming task in many ways, trying to build a collection, because you have over 20 countries as well as the Latino population.
The criteria that I established at the time was to collect art that was pushing the limits, that was in the avant-garde tradition, and to focus on paradigmatic works that would tell that story. My approach has been to have exhibitions serve as a matrix for building the collection, like with “Inverted Utopias.” One of the things that was interesting about “Inverted Utopias” is that we presented so much art that was really important, but had no market here in the United States. We were able to acquire a lot of those works because we were ahead of the curve, and the prices were really amazing. We bet on artists that have no market here in the United States, but because we have a research center, the International Center for the Arts of the Americas, we knew that these artists were really important in their countries and for the development of Latin American art or sometimes even modernism in general.
Gonzalez: This is the sort of double duty that Mari Carmen has had to do and that we’ve tried to do too: you have to make the case to the donors, to the public, before you even get to the possibility of an acquisition. You have to do the years of research and the presentation, the scholarly publication, because you have to establish that importance. At LACMA, acquisitions have come after important scholarly exhibitions. Before I was here, “The Road to Aztlan” was a groundbreaking exhibition that Virginia Fields and Victor Zamudio-Taylor did to establish an argument about transhistoricity, about the importance of indigeneity for the Chicano Art Movement, and to look at the links between contemporary Mexican art and Latinx art. That was established in their argumentation, and after that we were slowly able to acquire works. Or Lynn Zelevansky’s “Beyond Geometry,” where she was able to slowly bring in works by Cildo Meireles and Hélio Oiticica and others to globalize the history of conceptual art. With “Phantom Sightings,” we laid the groundwork for a generation of Chicano artists that emerged in the ’80s and ’90s, and then we were able to acquire a lot. And then both PSTs [Pacific Standard Time exhibition initiatives] funded so much new scholarship, to be able to represent the diversity of the history of art-making in Los Angeles. We have had to, little by little, take advantage of these exhibitions and other collector events to educate the collectors to be able to support these acquisitions, because these are often outside the canon.
Ramirez: Exhibitions in our area of Latin American and Latinx art have been fundamental. That’s one of the reasons why I was expressing earlier my concern about our ability to continue to do exhibitions like this for the next few years, because these are fields that don’t have a market here, don’t have a collecting base; we’re the institutions that are introducing these new values, and we are doing it through exhibitions and carefully researched catalogues that establish a market for these artists. This is a fundamental role that institutions like LACMA and the MFAH play.
ARTnews: Both of your curatorial work has placed Latin American and Latinx artists in conversation and dialogue. Recently, there has been criticism regarding this. Can you talk about your approach to this and why it makes sense for the work you do?
Ramirez: Right now, Latin American art and Latinx art are seen as separate fields, and there are vociferous proponents of keeping it that way. I am not one of them. Since we began this program here in Houston, we took a hemispheric approach to this art. We see Latin American and Latinx art as sharing some basic and fundamental features, and to me, that is the agenda for the future. You are dealing obviously with very heterogeneous and extremely diverse communities and there is a disparity between those two communities. Over the past two decades, Latin American art has emerged as a market phenomenon, and it’s in the process of becoming mainstream. That is not the case for Latinx art. It doesn’t have a large collector base, or a strong institutional base, or a market, but I think it will get there. Our role is to explore the many affinities between these two groups and the many differences, and bring the two groups together, because the reality is that the field of Latinx art is completely different from how it was in the 1960s and ’70s. It is a community that has exploded exponentially. The artists are intermingling and we don’t know what is going to come out of that. It is our role as institutions to support that and to investigate it, to go deep into it by displaying it, by creating publications, by inviting artists, without necessarily breaking it down into two separate areas.
Gonzalez: I think it’s a failure of mainstream art criticism and the mainstream art world in general, not to acknowledge the transculturalism within the Latinx experience. There has been an assumption that these are hyper-localized identities and that they weren’t in contact with or influencing or influenced by a global network. That is something that C. Ondine Chavoya and I explored in the retrospective of Asco and why we included the interface that they had with No Grupo or the conceptual art groups in Mexico City or the connections that they had—because they were all involved in correspondence art—so they were communicating with artists in Uruguay and Tokyo. There was this assumption that someone like Rupert Garcia was not aware of Third World struggles in Vietnam or in Cuba, but he was. There is a global dimension to Chicano/Latino art, just as there was communication among Puerto Rican artists and California Chicano artists. I would never just do a Latinx-art-for-Latinx-art’s-sake type of approach. It has to be grounded, and we have to be mindful of our curatorial methodology. I think that Marcela Guerrero’s presentation at the Whitney was incredible and really pushed buttons, because it was looking at discussions of indigeneity in the Americas. We could really see these relationships between disparate artistic practices, but through adjoining conceptual interests.
Among the historically significant works by Latin American artists that Ramirez has acquired for the MFA Houston is Gyula Kosice’s La ciudad hidroespacial (The Hydrospatial City), 1946–72.©MUSEO KOSICE, BUENOS AIRES
Ramirez: We went through this experience at the International Center for the Arts of the Americas when we built up its archive. We had teams in different cities throughout Latin America and the U.S., and at the early stages of the project, we used to do these annual conferences where we would bring all the researchers together. We would have, for instance, a team in Chile who were trying to track down artists who had left Chile because of the dictatorship and fled to the United States, and our team in L.A. would realize that those Chilean artists were part of a graphic arts collective in L.A. The history of colonialism, the history of racism, the history of Catholicism, the Spanish language—there are a number of things that unite these two groups and I think that the efforts to separate them have to do more with political strategies than with the actual reality of the way that the two intermingle.
ARTnews: I think it also has to do with this sense of specificity and feeling of erasure. And how there can be invisibility and a need to carve out space, similar to what you have done with Latin American art over the past 20 years in Houston.
Ramirez: Latinx art still lacks institutional support. I am hopeful that some of the displays here in Houston, where we are going to have Latinx artists next to American and European artists, will bring attention to that. But we need more institutions that show the artists and showcase them. The problem is that Latinx art doesn’t have an infrastructure. There are very few museums that are actually doing this work. It’s like a vicious cycle of the chicken and the egg because if you don’t have that visibility, then you don’t have a market, then you don’t have exhibitions—and we went through that with Latin American art. Many people want to say that Latin American art has already made it. I don’t think that is true at all. That is true for a few select artists who are part of the global circuit, but not for the majority of artists in Latin America. And if you open up any textbook of 20th-century art or 21st-century art, you will find no Latin American artists, or, maybe just Lygia Clark, Hélio Oiticica, Wifredo Lam, and that’s it.
ARTnews: Rita, how do you see the position of Latinx art within the global contemporary?
Gonzalez: As Mari Carmen was saying, there need to be more institutions that are carving out a space and making a platform for Latinx artists. It can’t just be Houston, Miami, and L.A., because the truth of the matter is that Latinos are in every state and every region.
Ramirez: They are everywhere—and they are here to stay.
Gonzalez: Exactly. I am hopeful too because I think the philanthropic foundations are starting to address this, and with that kind of solidity of support, we will be able to get more recognition and more support for individual artists. Pilar Tompkins Rivas and I were the curators of the special commissions at Frieze L.A. [in February 2020], and we really wanted to give it primacy. When you walked to the back lot of Paramount, the first thing you saw was the work of Gabriella Sanchez. There is this book that has just come out by Arlene Dávila [Latinx Art: Artists, Markets, and Politics], which offers an interesting sociological, anecdotal perspective—a much-needed perspective because it is based on the many conversations that she’s had, and you get the sense that people have shared things with her that they might not have shared in public forums, so you are kind of privy to these backdoor conversations where collectors are telling her what they really think. This kind of airing is important because now we know what we are up against. This year, the Black Lives Matter movement has really pushed commercial art galleries to address issues of social justice and diversity in their programs.
Ramirez: I think we are at the point of no return. It should definitely transform gallery practices, curatorial practices, and institutional practices, and lead museums to reinvent themselves. I think that both Latin American and Latinx art have been thought of as a kind of added value to museums. But it is not just an added value. These communities are transforming these museums’ cities, their states, their regions, and the country itself. The white population is decreasing in the United States. It is already the minority in many places. And it is all these other diverse and complex communities that are going to be the audiences in the future. For encyclopedic museums in particular, there is an urgent need to reimagine who they are, their function, their objectives in relation to these communities. Ultimately, it’s about the survival of the institution.
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