A continuación parte de la entrevista Organizada por Klaus Biesenbach, ex conservador jefe en general, el Museo de Arte Moderno, y ex director, MoMA PS1, con Heather Reyes, coordinadora del departamento. | Isabel Custodio / Productora de contenido, / Equipo creativo.
Firelei Báez presentará su trabajo para Améthyste y Athénaire (Musas exiliadas más allá del canon de Jean Luc Nancy), Anacondas como parte de la serie de ventanas modernas del Museo de Arte Moderno. En su arte, Báez recupera las historias de mujeres afrolatinas y afrocaribeñas marginadas para resaltar cuestiones de identidad, migración y ambigüedad. Esta pintura representa a Améthyste y Athénaire Christophe, hijas del primer rey y reina de Haití, que fueron forzados al exilio en Pisa, Italia, después de la muerte de su padre en 1820 y la unificación del Reino de Haití y la República de Haití.
No existen pinturas o fotografías conocidas de las hermanas. Los retratos de Báez sirven como la única representación visual de las hermanas y un monumento tardío a su importante papel en la historia de la Revolución Haitiana.
Visitamos su estudio en el Bronx para discutir su último trabajo para Modern Window y explorar la motivación detrás de Améthyste y Athénaire.
No hay fotografías de las hijas. ¿Cómo hiciste para visualizarlos?
Esa es la cosa. No hay retratos. Entonces, ¿cómo hacer que alguien esté presente cuando la historia ha hecho un esfuerzo para borrarlo? Esta composición fue para tratar de imaginar más la psicología de ella, más su presencia. Sería, creo, gracioso de mi parte ponerla de pie. Quiero que haya espacio para que el espectador pueda recrearla en el presente junto conmigo. Es por eso que el único concepto sobre ella es que su mirada es directa al espectador, por lo que te conecta.
Esos ojos son extraordinarios. ¿Qué quieres que transmitan?
Auto-posesión o compromiso total con el espectador. Éntras en muchas pinturas a través de la psicología. Es algo con lo que interactúa en su mente en lugar de pensarlo como un objeto, como algo con lo que está físicamente comprometido o con lo que está en deuda. Por eso la mirada de confrontación. Para mí, es un mapa simbólico.
Llévame a través de eso. ¿Qué son estos símbolos?
Símbolos de resistencia y autodefinición. Estos tocados se usaban cuando los franceses luchaban contra Haití. Le dieron el territorio de Luisiana a España, y una de las primeras leyes que el alcalde español estableció fue prohibir el cabello de las mujeres negras libres obligándolas a usar ese pañuelo en la cabeza. Pero no era solo que su ser físico fuera demasiado silencioso, sino que también existía la idea de que eran una amenaza para el alcalde. Estas mujeres tenían acceso económico y podían comprar la libertad y la tierra de sus familias. Tenían movilidad social real. Estas eran mujeres rudas, por lo que hicieron de este objeto de opresión un símbolo de estatus, un símbolo de belleza, autodefinición y cuidado personal. Ahí es donde tenías, incluso hasta fines del siglo XIX, mujeres de todo el Caribe con este pañuelo en la cabeza.
También grabé en el pañuelo de la cabeza todos estos símbolos diferentes de resistencia y curación dentro de la diáspora negra. Por ejemplo, llaman a estas figas en Brasil, pero hay una resonancia entre eso y el puño del Poder Negro. Mi esfuerzo es decir que hemos tenido momentos de curación, resistencia y autodefinición cientos de años antes de eso, y que tal vez esto esté en conversación con ambos.
¿Puedes contarme sobre los colores?
Estoy haciendo referencia específicamente al rojo cochinilla, que era un material suntuoso. Solo podías ser parte de una iglesia o como una socialité colonial [para usarla], de modo que el material, que era tan indicativo del imperio y el comercio, es el color de este tocado.
El azul índigo también es muy formativo para la economía de Haití. Azul índigo, que forma quienes creemos que somos como estadounidenses verdaderamente azules. Índigo como lo conocemos, que tienen esos jeans, es dominado por los procesos de África occidental. Hay mucho en eso. Incluso las íconos en la pared son la abreviatura de entidades específicas dentro del vudú. Cada vez que ves que funciona la concha y todas las referencias del mar, es hacia La Sirena, que es ese tipo de símbolo en forma de escudo en la parte superior. Las dos serpientes en el fondo? Esa es Ayida-Weddo, que es la gama completa de género. Estamos tan versados en la mitología griega y romana, y está incrustado en cómo pensamos en la psicología y todo lo que la rodea, pero igualmente fundamentales son estos símbolos o ideologías de África occidental que influyen en gran parte de lo que hacemos.
Su cuerpo parece incorporar el elemento de ciencia ficción que pones en gran parte de tu trabajo. ¿Puedes hablar de eso un poco?
Me encanta leer, por ejemplo, Octavia Butler. Muchas de las metodologías que uso en ciencia ficción son cosas que considerarías folklore si entraras a espacios específicos en el Sur Global. Las formas de unir cuerpos o ideas de existir como múltiplos a la vez son cosas que se codifican en lenguaje e interacción. Entonces es más como si la ciencia ficción estuviera en deuda con ellos que al revés. Es ambos, crecer en los Estados Unidos y venir de la República Dominicana y ser versado en ambos y unirlos.
*La entrevista a Firelei Báez, se encuentra íntegra en nuestra pagina Web:
www.ossayecasadearte.com
Firelei Báez, Dominican artist participates in the reopening of the Museum of Modern Art MOMA, N.Y.
Firelei Báez will present his work for Améthyste and Athénaire (Muses Exiled Beyond Jean Luc Nancy's Canon), Anacondas as part of the Modern Window Series of the Museum of Modern Art. In her art, Báez recovers the stories of marginalized Afro-Latin and Afro-Caribbean women to highlight issues of identity, migration and ambiguity. This painting depicts Améthyste and Athénaire Christophe, daughters of the first king and queen of Haiti, who were forced into exile in Pisa, Italy, after the death of their father in 1820 and the unification of the Kingdom of Haiti and the Republic of Haiti. There are no known paintings or photographs of the sisters. Báez's portraits serve as the sole visual representation of the sisters and a late monument to their important role in the history of the Haitian Revolution. We visited his studio in the Bronx to discuss his latest work for Modern Window and to explore the motivation behind Améthyste and Athénaire. The following is part of the interview Organized by Klaus Biesenbach, former chief curator in general, the Museum of Modern Art, and former director, MoMA PS1, with Heather Reyes, coordinator of the department. Isabel Custodio / Content Producer, Creative team There are no photographs of the daughters. How did you do to visualize them? That is the thing. There are no portraits. So how do you make someone present when history has made an effort to erase it? This composition was to try to imagine more of her psychology, more of her presence. It would be, I think, funny of me to stand her up. I want there to be space for the viewer to recreate it in the present together with me. That is why the only concept about her is that her gaze is direct to the viewer, so it connects you. Those eyes are extraordinary. What do you want them to convey? Total self-possession or commitment to the viewer. You enter many paintings through psychology. It is something that you interact with in your mind rather than thinking of it as an object, as something you are physically committed to or indebted to. So the confrontational gaze. For me, it is a symbolic map. Take me through that. What are these symbols? Symbols of resistance and self-definition. These headdresses were worn when the French fought against Haiti. They gave the territory of Louisiana to Spain, and one of the first laws that the Spanish mayor established was to prohibit the hair of free black women by forcing them to wear that headscarf. But it was not only that their physical being was too silent, there was also the idea that they were a threat to the mayor. These women had economic access and could buy the freedom and land of their families. They had real social mobility. These were tough women, so they made this object of oppression a status symbol, a symbol of beauty, self-definition and personal care. That's where you had, even until the end of the 19th century, women from all over the Caribbean with this headscarf. I also carved all these different symbols of resistance and healing within the black diaspora on the head scarf. For example, they call these figas in Brazil, but there is a resonance between that and the fist of the Black Power. My effort is to say that we have had moments of healing, endurance, and self-definition hundreds of years before that, and that perhaps this is in conversation with both of us. Can you tell me about the colors? I'm specifically referring to mealybug red, which was a sumptuous material. You could only be part of a church or as a colonial socialite [to use it], so the material, which was so indicative of empire and commerce, is the color of this headdress. Indigo blue is also very formative for Haiti's economy. Indigo blue, which forms who we think we are as truly blue Americans. Indigo as we know it, who have those jeans, is dominated by the processes of West Africa. There is a lot in that. Even the icons on the wall are short for specific entities within voodoo. Every time you see that the shell works and all the references to the sea, it is towards La Sirena, which is that type of symbol in the form of a shield at the top. The two snakes at the bottom? That's Ayida-Weddo, which is the full range of gender. We're so well versed in Greek and Roman mythology, and it's embedded in how we think about psychology and everything around it, but equally fundamental are these West African symbols or ideologies that influence much of what we do. His body seems to incorporate the science fiction element that you put into much of your work. Can you talk about that a little bit? I love reading, for example, Octavia Butler. Many of the methodologies that I use in science fiction are things that you would consider folklore if you were to enter specific spaces in the Global South. The ways of joining bodies or ideas of existing as multiples at a time are things that are encoded in language and interaction. So it's more like science fiction is indebted to them than the other way around. It is both, growing up in the United States and coming from the Dominican Republic and being well versed in both and uniting them.
* The interview with Firelei Báez is found on our website:
www.ossayecasadearte.com
