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Fernando Calzada: “Pretendo desarrollarme más como artista plástico”

El 8 de abril, el fotógrafo inaugura “Sobre la piel. Dibujos de Fernando Calzada”, en el Museo Fernando Peña Defilló.

“ Sobre la piel ” / Fernando Calzada trabajando en uno de sus dibujos / Museo Fernando Peña Defilló.

Beatriz Bienzobas / Diario libre / Fernando Calzada / Sobre la piel / Miercoles 7 de abril, 2921 / OCA|News


https://www.diariolibre.com/revista/cultura/fernando-calzada-pretendo-desarrollarme-mas-como-artista-plastico-DM25380333


Fernando Calzada se estrena en el mundo de las artes plásticas con una exposición de 23 dibujos que le ha tomado más de tres años de trabajo. En ella, el fotógrafo y graduado de Bellas Artes vuelve a sus orígenes con la exposición “Sobre la piel. Dibujos de Fernando Calzada”, donde encara el desnudo desde un género que borda en grafito y carboncillo, el hiperrealismo. Nos sorprendes con un proyecto de dibujos en el que llevas trabajando varios años. Comienzo este trabajo porque para mí el dibujo es la base de cualquier expresión artística. Yo pretendo, a partir de esta exposición, desarrollarme más como artista plástico. No voy a dejar la fotografía porque es mi pasión, pero es cierto que no he encontrado todo lo que buscaba en ella y siento la necesidad de explorar otras expresiones artísticas con la intención, en un futuro inmediato, de transitar nuevos campos, como la pintura, y quién sabe si, más adelante, pueda llegar a la escultura, que es lo que más me gusta.

¿Por qué eliges el desnudo para iniciarte? Porque en mis 23 años de carrera como fotógrafo nunca lo había encarado, nunca había sentido que podía aportar algo nuevo de lo que ya estaba hecho; y es con el desnudo que siento que, cuando lo plasmo en el papel, crea otra dimensión. Eso es lo que realmente me motivó a meterme con el género del desnudo, tanto masculino como femenino. Este proyecto te ha llevado varios años y una pandemia de por medio que provocó que pasara por tres etapas hasta llegar a lo que vemos hoy.... Cuando me planteé el proyecto, que fue para exponer en julio del año pasado, en ese momento el planeta completo estaba prácticamente cerrado, por lo tanto mi exposición tuvo que aplazarse. Hasta ese momento yo había transitado por dos etapas de este proyecto. La primera era trabajar el dibujo hiperrealista, donde todo lo que vemos en la escena está totalmente enfocado. A partir de ahí empiezo a plantearme -al ser fotógrafo- el desenfoque, el plano focal, donde decido jugar con los diferentes planos, llevando al espectador al punto de atención que mí me interesa. En esta segunda etapa consigo completar todas las obras que había previsto para exponer el año pasado. Pero como estábamos en pandemia, se me presenta un nuevo escenario y posiblemente la etapa más interesante: la del movimiento. Es la etapa más plástica, donde el modelo es más libre en cuanto a movimientos, la imagen resultante es más artística, y, lógicamente, reflejada en papel es sumamente atractivo. Regístrate para vivir una experiencia personalizada de consumo de contenidos. ¿Qué quieres remover en el espectador? Me interesa mostrar un trabajo que aquí en República Dominicana no estamos muy acostumbrados a ver, que es el hiperrealismo, y mucho menos en dibujo ni con el desnudo. Para mí ha sido un reto porque, por primera vez en todos estos años de carrera, he encarado el desnudo; primero fotográficamente, pero también como artista plástico al llevar todo ese trabajo al papel con lápices y carbón.

¿Por qué eliges el hiperrealismo? Porque me gusta mucho el detalle, la técnica. Soy un apasionado del arte clásico, un enamorado del arte griego, el arte romano, sobre todo del canon de belleza clásico y, por supuesto, del Renacimiento. Siento que el hiperrealismo, aunque quizás es un género criticado y no está tan bien visto como otros géneros pictóricos, a mí me gusta porque me siento cómodo. Y entendía que era la mejor manera de plasmar el desnudo en dibujo. Creo que al final he logrado el resultado, lo que yo tenía en mi cabeza, con creces. Ahora bien, no pretendo quedarme en esto... Lo que tengo claro es que quiero seguir con lo figurativo, es realmente lo que más me gusta, y de hecho ahora estoy trabajando mucho en la proporción del cuerpo humano para llegar a donde quiero.

¿Y dónde quieres llegar? A tener un control y un dominio de la proporción total. Si me visualizo en un futuro creo que la figura humana y la técnica van a estar presentes en mi obra, al margen del género que haga, porque ese soy yo. Y para la técnica en todas mis expresiones artísticas es básica y fundamental.

Más allá de la exposición Fernando ha contado con la ayuda de la artista dominicana Yolanda Naranjo para la museografía de esta exposición, él mismo ha trabajado la curaduría, contando para la producción, diseño gráfico, medios digitales, materiales básicos y de redes, catálogos, así como el diseño de una página web exclusiva (sobrelapiel.art) con el trabajo de Luis Isidor, de Q Estudio Creativo.


Dices que el hiperrealismo es un género poco valorado, sin embargo, tiene detrás un trabajo impresionante... Sí, lo que pasa es que ahí ya entramos en cuestiones de lo que se considera arte y lo que no; es algo parecido a lo que pasa con la fotografía: si es arte, si no es arte, pero eso se lo dejamos a los críticos. Yo parto de la base de que cuando coges una obra y la desarrollas, aunque cuando tengas una referencia –en este caso una fotografía-, al final lo que cuenta es la obra que hemos plasmado, lo que te cuenta ahora, lo que te transmite.

Y lo que yo siento es que cuando la obra está terminada –hablo de mi trabajo- a mí me transmite muchas cosas, y no solo a mí, sino a la gente que la ha visto. Veo las reacciones, escucho sus comentarios, y al margen de que te guste más o te guste menos, no te deja indiferente, o sea, te sobrecoge. Y creo que solo por haber conseguido eso, estoy pago. Y lo mismo me pasa con el tema del hiperrealismo, quizás no está bien visto, pero a mí me parece un género pictórico tan válido como cualquier otro. Quizás porque soy un amante del arte clásico, ya sea griego, romano, o Renacimiento, que representan una fidelidad grandísima hacia lo real, todo se humaniza y se da valor al ser humano por encima de las teologías; quizá todo eso me ha motivado a trabajar con el hiperrealismo, aunque no creo que vaya a seguir explorando el género del hiperrealismo como tal.

La mayoría de las obras son fragmentos, no vemos rostros en ellas... Sí, no interesa mostrar el rostro, ni la identidad de las personas, a mí lo que me interesa es mostrar la belleza de la piel, y eso se podría decir que es un canto a la belleza, a la belleza de la piel humana. Yo me recreo en eso, por eso no he querido identificar a la gente y, por ende, los títulos de las obras resaltan prácticamente la descripción de lo que estás viendo: el fragmento de un hombre, un brazo; los glúteos de una mujer, que son cosas muy explícitas en cuanto al detalle. Excepto una obra que realmente tiene nombre, por así decirlo, “Autorretrato”, donde verán “mis manos”. La gente se podrá preguntar por qué las manos en un autorretrato y no el rostro. Por eso, porque en la exposición no vas a ver ninguna obra donde se vea el rostro. Para mí mostrar mis manos ha sido como desnudarme, mostrar mi rostro, mis imperfecciones. Precisamente en la muestra vamos a ver obras que son explícitas, pero cuando miras la obra en conjunto te das cuenta de qué tan explícito son unos genitales masculinos, una vagina, pero también el detalle de un brazo donde ves toda la porosidad, los lunares, las manchas, mis manos con sus imperfecciones y las uñas a veces mordidas. Es decir, eso es tan explícito y tan pudoroso como unos genitales. Creo que en esta exposición todo está justificado, tiene una razón de ser, no hay nada gratuito. Todo está muy bien pensado.


¿Cómo ha sido el proceso de creación de estos dibujos? Se ha basado en dos pasos. Primero fotografiar, hacer una sección de fotografía con un(a) modelo escogido con unas características físicas determinadas; creaba unas imágenes que yo quería conseguir con esa persona y las trabajaba; pero en la sección fotográfica, lógicamente, está el sector sorpresa, y ahí es donde han surgido, en ocasiones, imágenes que han sido las definitivas, las que termino dibujando, y no precisamente las que yo tenía en mi cabeza. Una vez terminaba la sección fotográfica, editaba las fotos y hacía una preselección de las fotos que me interesaban, que podían ser potenciales para dibujar. Pero, ¿qué ocurre? Que yo reedito las fotos, las re-encuadro totalmente, las contextualizo, me quedo con un detalle, lo llevo a otro nivel; por eso hay dibujos que tienen hasta tres fotografías, son fragmentos que he cogido porque las fotografías al final no eran el resultado que yo quería. Primero hay un trabajo de Photoshop, pero también lo hay a la hora de dibujar, de coger un fragmento de aquí, de allá, y terminar haciendo una cosa diferente a la foto original. En cuanto al dibujo, tomo esa imagen final como referencia, trabajo con la pantalla al lado y el papel y el caballete en el otro extremo, y empiezo a dibujar con el sistema de cuadrículas, que es un sistema que se ha utilizado toda la vida, donde trabajo con la imagen en digital, que traslado proporcionalmente al tamaño del papel que quiero que sea el original. Y a partir de ahí encajo la figura, que es la parte más sencilla en este caso. Lo realmente difícil y complejo es dar volumen a la imagen, y eso lo consigues con el detalle, a base de manchar, de ir poco a poco trabajando la escena, que es lo que realmente demora el trabajo. Así, los dibujos vienen tardando, los menos, unas 100 horas, pero hay de 150, 200 hasta 200 y pico de horas cada uno.

¿Algún artista que te ha servido de influencia o referencia en tu trabajo? Sí, pero no precisamente artistas plásticos; de hecho, hay guiños a fotógrafos en esta obra. Obviamente a Robert Mapplethorpe y a Helmut Newton; de pintores (en la etapa de movimiento) a Francis Bacon; y de estilos pictóricos a los clásicos: griego, romano y Renacimiento.

¿Háblame de la museografía que has creado para disfrutar de esta exposición? En este caso nos hemos tenido que adaptar a la limitación del espacio. Por ello tuvimos que crear un muro falso para poder hacer una museografía coherente en la que poder mostrar las 23 obras. En la museografía me ha ayudado Yolanda Naranjo, una artista dominicana radicada en Atenas, amiga mía, que me ha asistido con el orden y la disposición de las obras. Yo tenía una idea, pero ella me sugirió otra. Finalmente hemos intentado mantener, de alguna manera, no el orden cronológico, sino adaptarnos al espacio que tenemos; es decir, no puedes hacer una lectura lineal porque al tener dos salas es complicado, por lo que hemos preferido, en la primera sala, mostrar la primera y segunda etapa; y en la segunda sala, exhibir la tercera, donde las obras que son más explícitas, por una cuestión de que no sean tan impactantes para las personas que llegan, las hemos dejado en un espacio que conviven muy bien las cuatro piezas, pero manteniendo coherencia con el resto de las obras.

¿Una recomendación a la hora de ver la exposición para apreciarla mejor? Cuando entras al museo, ves la primera obra donde hay un texto muy breve de Marianne de Tolentino, que es la curadora del Museo, quien habla sobre mi trabajo, y allí encontrarán la primera pieza, que es el autorretrato. De ahí pasas a la primera sala, donde están las piezas que corresponden a la primera y segunda etapa; y en la segunda sala, habrá parte de la primera y segunda etapa, pero sobre todo el resto de las obras en movimiento, que pertenecen a la tercera etapa.

Estas son obras que podremos comprar, ¿dónde las visualizas? Sí. Hay piezas que tendrían cabida en cualquier espacio, desde una sala, a un family, una habitación, o un dormitorio. Y otras más explícitas, que pueden colgarse donde el comprador decida, al final todo se reduce a lo abierto que tú seas.


Fernando Calzada:

"I intend to develop more as a visual artist"


On April 8, the photographer inaugurates “Sobre la piel. Drawings by Fernando Calzada ”, at the Fernando Peña Defilló Museum.


Beatriz Bienzobas / Diario libre / Fernando Calzada / Sobre la piel / Miercoles 7 de abril, 2921 / OCA|News


https://www.diariolibre.com/revista/cultura/fernando-calzada-pretendo-desarrollarme-mas-como-artista-plastico-DM25380333


Fernando Calzada makes his debut in the world of visual arts with an exhibition of 23 drawings that has taken him more than three years of work. In it, the photographer and Fine Arts graduate returns to his origins with the exhibition “Sobre la piel. Drawings by Fernando Calzada ”, where he approaches the nude from a genre that embroiders in graphite and charcoal, hyperrealism.


You surprise us with a drawing project that you have been working on for several years.

I begin this work because for me drawing is the basis of any artistic expression. I intend, from this exhibition, to develop more as a visual artist. I am not going to give up photography because it is my passion, but it is true that I have not found everything I was looking for in it and I feel the need to explore other artistic expressions with the intention, in the immediate future, of exploring new fields, such as painting. , and who knows if, later on, I might get to sculpture, which is what I like the most.


Why do you choose the nude to get started?

Because in my 23-year career as a photographer I had never faced it, I had never felt that I could contribute something new to what was already done; And it is with the nude that I feel that, when I put it on paper, it creates another dimension. That's what really motivated me to mess with the nude gender, both male and female.


This project has taken you several years and a pandemic in between that caused it to go through three stages until it reached what we see today ...

When I considered the project, which was to exhibit in July of last year, at that time the entire planet was practically closed, therefore my exhibition had to be postponed. Until that moment I had gone through two stages of this project. The first was to work on the hyper-realistic drawing, where everything we see in the scene is totally in focus. From there I begin to consider -being a photographer- the blurring, the focal plane, where I decide to play with the different planes, taking the viewer to the point of attention that interests me. In this second stage, I manage to complete all the works that I had planned to exhibit last year. But since we were in a pandemic, I was presented with a new scenario and possibly the most interesting stage: that of the movement. It is the most plastic stage, where the model is freer in terms of movements, the resulting image is more artistic, and, logically, reflected on paper is extremely attractive.

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What do you want to remove in the viewer?

I am interested in showing a work that here in the Dominican Republic we are not very used to seeing, which is hyperrealism, and much less in drawing or with the nude. For me it has been a challenge because, for the first time in all these years of career, I have faced the nude; first photographically, but also as a plastic artist by putting all that work on paper with pencils and charcoal.


Why do you choose hyperrealism?

Because I really like the detail, the technique. I am passionate about classical art, in love with Greek art, Roman art, especially the canon of classical beauty and, of course, the Renaissance. I feel that hyperrealism, although perhaps it is a criticized genre and is not as well seen as other pictorial genres, I like it because I feel comfortable. And he understood that it was the best way to capture the nude in drawing. I think that in the end I have achieved the result, what I had in my head, by far. Now, I do not intend to stay in this ... What I have clear is that I want to continue with the figurative, it is really what I like the most, and in fact now I am working a lot on the proportion of the human body to get where I want.


And where do you want to go?

To have control and mastery of the total proportion. If I visualize myself in the future, I believe that the human figure and technique will be present in my work, regardless of the genre I do, because that is me. And for the technique in all my artistic expressions it is basic and fundamental.


Beyond the exhibition

Fernando has had the help of the Dominican artist Yolanda Naranjo for the museography of this exhibition, he himself has worked as the curator, counting for the production, graphic design, digital media, basic and network materials, catalogs, as well as the design of an exclusive web page (sobrelapiel.art) with the work of Luis Isidor, from Q Estudio Creativo.


You say that hyperrealism is an underrated genre, however, it has impressive work behind it ...

Yes, what happens is that there we already enter into questions of what is considered art and what is not; It is something similar to what happens with photography: if it is art, if it is not art, but we leave that to the critics. I start from the basis that when you take a work and develop it, although when you have a reference -in this case a photograph-, in the end what counts is the work that we have plasmado, what he tells you now, what he transmits to you.


And what I feel is that when the work is finished - I'm talking about my work - it transmits many things to me, and not only to me, but to the people who have seen it. I see the reactions, I listen to their comments, and regardless of whether you like it more or you like it less, it does not leave you indifferent, that is, it overwhelms you. And I think that just for having achieved that, I am paid.

And the same thing happens to me with the subject of hyperrealism, perhaps it is not well seen, but it seems to me a pictorial genre as valid as any other. Perhaps because I am a lover of classical art, be it Greek, Roman, or Renaissance, which represent a very great fidelity to reality, everything is humanized and value is given to the human being above theologies; perhaps all of this has motivated me to work with hyperrealism, although I don't think I'll continue to explore the hyperrealism genre as such.


Most of the works are fragments, we don't see faces in them ...

Yes, it is not interesting to show the face, nor the identity of the people, what interests me is to show the beauty of the skin, and that could be said to be a hymn to beauty, to the beauty of human skin. I take pleasure in that, that is why I have not wanted to identify the people and, therefore, the titles of the works practically highlight the description of what you are seeing: the fragment of a man, an arm; the buttocks of a woman, which are very explicit things in terms of detail. Except for a work that really has a name, so to speak, “Self-portrait”, where you will see “my hands”.

People may wonder why the hands are in a self-portrait and not the face. Therefore, because in the exhibition you will not see any work where the face is seen. For me, showing my hands has been like undressing, showing my face, my imperfections. Precisely in the sample we are going to see works that are explicit, but when you look at the work as a whole you realize how explicit are male genitalia, a vagina, but also the detail of an arm where you see all the porosity, the moles, the stains, my hands with their imperfections and sometimes bitten nails. That is to say, that is as explicit and as modest as genitalia. I think that in this exhibition everything is justified, it has a reason for being, there is nothing gratuitous. Everything is very well thought out.


How was the process of creating these drawings?

It has been based on two steps. First photograph, make a section of photography with a (a) chosen model with certain physical characteristics; I created some images that I wanted to achieve with that person and I worked on them; but in the photographic section, of course, there is the surprise sector, and that is where, on occasions, images have emerged that have been the definitive ones, the ones that I end up drawing, and not precisely the ones I had in my head. Once I finished the photographic section, I edited the photos and made a preselection of the photos that interested me, which could be potential to draw. But what happens? That I re-edit the photos, I completely reframe them, I contextualize them, I take a detail, I take it to another level; That is why there are drawings that have up to three photographs, they are fragments that I have taken because the photographs in the end were not the result that I wanted. First there is a Photoshop job, but there is also when it comes to drawing, taking a fragment from here, there, and ending up doing something different from the original photo. As for the drawing, I take that final image as a reference, I work with the screen to the side and the paper and the easel at the other end, and I start to draw with the grid system, which is a system that has been used all my life. , where I work with the digital image, which I transfer proportionally to the size of the paper that I want the original to be. And from there I fit the figure, which is the simplest part in this case. What is really difficult and complex is to give volume to the image, and you achieve that with the detail, based on staining, of gradually working the scene, which is what really takes the work off. Thus, the drawings have taken at least 100 hours, but there are 150, 200, and 200 hours each.


Any artist who has served as an influence or reference in your work?

Yes, but not exactly plastic artists; in fact, there are nods to photographers in this work. Obviously Robert Mapplethorpe and Helmut Newton; from painters (in the movement stage) to Francis Bacon; and from pictorial styles to the classics: Greek, Roman and Renaissance.


Tell me about the museography you have created to enjoy this exhibition?

In this case we have had to adapt to the limitation of space. For this reason we had to create a false wall to be able to make a coherent museography in which to show the 23 works. Yolanda Naranjo, a Dominican artist based in Athens, a friend of mine, has helped me with the museography.

do with the order and arrangement of the works. I had an idea, but she suggested another. Finally we have tried to maintain, in some way, not the chronological order, but to adapt to the space we have; that is, you cannot make a linear reading because having two rooms is complicated, so we have preferred, in the first room, to show the first and second stages; and in the second room, to exhibit the third, where the works that are more explicit, for a matter of not being so shocking for the people who arrive, we have left them in a space where the four pieces coexist very well, but maintaining coherence with the rest of the works.


A recommendation when viewing the exhibition to better appreciate it?

When you enter the museum, you see the first work where there is a very short text by Marianne de Tolentino, who is the curator of the Museum, who talks about my work, and there you will find the first piece, which is the self-portrait. From there you go to the first room, where the pieces that correspond to the first and second stages are; and in the second room, there will be part of the first and second stages, but especially the rest of the works in motion, which belong to the third stage.


These are works that we can buy, where do you see them?

Yes. There are pieces that would fit in any space, from a living room, to a family, a room, or a bedroom. And other more explicit ones, which can be hung where the buyer decides, in the end it all comes down to how open you are.


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