OCA|News / Fernando Varela & Liu Bolin / 25 abril, 2024 / Fuente externa
Ritmo Social / Ebel Echavarría
La vida imita al arte o el arte a la vida? Es una cuestionante que me ha perseguido desde que, en el año 2014, la actriz Jessica Lange interpretó Gods & Monsters, uno de los éxitos musicales de Lana del Rey, de su álbum Born to die, para una de las tantas producciones exitosas de Ryan Murphy. Y es que, a simple vista, la respuesta podría parecer sencilla, pero se va haciendo cada vez más compleja en la medida en que vamos experimentando esa relación bilateral que existe entre todo aquello que es arte y la fuente de inspiración desde donde nace.
Es una cuestión que exploro cada vez que tengo la oportunidad de conversar con artistas, como esta entrevista con Liu Bolin, artista chino que comenzó su trayectoria en las artes a manera de protesta, hace casi veinte años; y Fernando Varela, reconocido artista dominico-uruguayo, cuya trayectoria y obras hablan de él de formas que solo el arte puede expresar.
En mi conversación con ellos, esta cuestión estuvo más presente que nunca. Pero, pese a que no busqué su opinión al respecto, es una pregunta que quiero dejar en ustedes, nuestros queridos lectores, e invitarles a explorar las respuestas durante la próxima feria de arte FIACI, que se adueña de nuestro país a partir del 16 de abril de este año.
Ritmo Social: Quiero empezar la entrevista destacando el hecho de que, en tu arte, te haces invisible en un mundo en el que la mayoría de la gente quiere destacar. ¿Podría, quizás, explicar de dónde nace esto?
Liu Bolin: En el 2005, allá en China, el gobierno destruyó mi estudio, entonces fue cuando empecé a crear este tipo de arte donde me fundo dentro de los espacios. Fue mi forma de expresarme a través del arte; fue una forma de protestar contra lo que había sucedido con las autoridades chinas que comenzó en ese momento y que se ha mantenido en el tiempo con otras performances que he venido haciendo desde entonces.
Fernando Varela: Liu Bolin es un artista con una gran trayectoria, y creo que su obra, ante todo, es una obra muy personal, muy creativa y le ofrece a él la oportunidad de incursionar en diferentes espacios, sean estos exteriores o interiores; en diferentes atmósferas que él va eligiendo y, si bien él está, él parece ser no estar. Y me parece una obra íntima porque él, como tú bien decías, se sumerge de cierta forma en el espacio en el que hace el performance. Entonces, más que invisible, parece ser una obra de una lectura dual, porque él está ahí, observando el espacio, y uno (que observa la obra) termina descubriéndolo a él.
RS: En una entrevista para The Creators Project, hace unos años, mencionó que hace todo lo posible “por transmitir el significado de ser invisible”. ¿Qué significa eso para usted?
LB: Tiene un significado muy personal. La razón principal para hacerse invisible es el pasar a formar parte de cosas, lugares de la vida cotidiana que, a veces, pasan desapercibidas en nuestro día a día, pese a que siempre están ahí. Entonces, esto tiene varios significados para mí; el primero, y más importante, está basado en un dicho popular chino que cita que “el cielo y la tierra son uno”, entonces veo este arte como una representación de que nada está realmente separado, todo está unificado. Por eso normalmente me enfoco en dos tipos de fondos, que son: primero el mundo natural, todo lo que tiene que ver con la naturaleza y lo que la compone, como, por ejemplo, en este viaje, se hizo una obra en las Dunas de Baní y también en el Parque Nacional Los Tres Ojos.
Y el segundo que se compone de las cosas creadas por el humano, por ejemplo, una obra artística (como esta colaboración con Fernando Varela) y todo lo que pueda ser de creación humana. Entonces, en síntesis, siempre me enfoco en estos dos tipos de fondos: los espacios de la naturaleza y los que resultan de la creatividad humana.
RS: ¿Cómo definirías ese trabajo que realizas en esos espacios?
LB: Mi trabajo es una expresión que viene desde el alma, es como esa inspiración que encuentras en lo profundo de ti mismo. En el caso del trabajo que realizo, yo creo que el artista es como el canva, es el envase donde se expresa toda esa inspiración que se quiere transmitir. Pero las obras que resultan de esa inspiración, en el momento de colocarse en una galería, ya se convierten en todo un conjunto de expresiones de varias situaciones.
RS: Comenzaste con estas obras en 2005, en China, tu país natal. Hasta ahora, casi 20 años después, ¿cuál es tu motivación para seguir haciendo este tipo de arte donde te fundes en un espacio y te vuelves casi imperceptible?
LB: Es una pregunta que me hago constantemente. He reflexionado mucho sobre ella. Fuera de estas obras que hago, tengo otras como pinturas, montajes e instalaciones y ahí, por ejemplo, uso otro tipo de técnicas. Y una de las motivaciones que me permiten seguir haciendo obras para camuflarme o volverme invisible, es que el mundo de ahora y el de hace veinte años tiene problemas completamente diferentes; por ejemplo, tenemos la guerra entre Rusia y Ucrania, la situación entre Gaza e Israel; entonces, realmente en el tiempo aparecen nuevos temas que funcionan para continuar expresando esa motivación inicial que tuve de hacer este tipo de arte.
Y, a pesar de que comencé en China, he tenido la oportunidad de expresarme alrededor del mundo, lo que ha hecho de mi arte no solo una expresión individual, sino también esa necesidad de representar a muchas personas en diferentes lugares.
Quisiera que mi arte fuese tema de discusión, sobre todo ahora que, después de la pandemia, hay muchos más
"La razón principal para hacerse invisible es el pasar a formar parte de cosas, de lugares de la vida cotidiana que, a veces, pasan desapercibidas."Liu Bolintemas que discutir.Liu Bolin
RS: ¿Qué significado tenía el arte para ti antes de convertirte en artista?
LB: Siempre estuve inmerso en el arte y para mí ese era mi talento, esa era mi habilidad. Cuando estaba en primaria, antes de comenzar mi carrera como artista, me había dado cuenta de que tenía más talento para dibujar y pintar, era más creativo que la mayoría de mis compañeros y otras personas de mi edad. Fui forjando mi autoestima como artista en el proceso de formación profesional. Cuando teníamos que dibujar algún nuevo modelo, el profesor se me acercaba a preguntar si lo había hecho antes; ya al momento de graduarme del bachiller, muchos de mis compañeros se acercaban a mí por ayuda para las clases de dibujo.
RS: Como artista, haciendo algún tipo de activismo con tu obra, más allá de lo emocionante del desafío visual, ¿qué quieres comunicar al espectador, a los que se encuentran con tu arte?
LB: Tengo expectativas diferentes con mis obras, depende de quién la experimente. Uno es para con las personas que trabajan en el mundo del arte, para ellos quisiera que mi arte fuese tema de discusión, sobre todo ahora que, después de la pandemia, hay muchos más temas que discutir. Por ejemplo temas relacionados con la naturaleza. Mis expectativas, en este sentido, son mucho más amplias porque también me gustaría que mi arte sea un incentivo para que otros artistas se desafíen a mejorar sus técnicas. Me gusta crear círculos con artistas jóvenes y artistas reconocidos y, como te comenté, generar conversación sobre lo que se puede hacer en el futuro a través de las artes.
En el otro ámbito, sería con las personas que no están involucradas en este mundo, pero que aprecian el arte en todas sus formas. Porque mi arte es como una invitación a la reflexión sobre las cosas que están pasando ahora y sus posibles consecuencias en el futuro, es como invitar a la observación para encontrar solución a posibles temas del futuro.
RS: ¿Cómo se logra esto que dices desde el tipo de arte que creas donde te fundes en un espacio y te haces parte de él?
LB: Los performances que he hecho aquí quizás no tengan el mismo impacto que mis trabajos anteriores. Pero, por ejemplo, hice un trabajo en Beijing en el año 2015, cuando había un problema muy fuerte de contaminación; y lo que hice fue que comencé a hacer lives en redes sociales para transmitir un mensaje de concienciación. Pero lo interesante de este performance, de esta obra, fue que me pinté para camuflarme en el ambiente, en el aire denso y contaminado de China, y la manera en que lo hice fue cubriéndome de celulares colocados sobre un chaleco salvavidas alrededor del torso, y todos los celulares estaban grabando el entorno, que era como desaparecerse en el ambiente. Entonces, la intención de esto fue crear conversación sobre la gravedad de la contaminación ambiental desde una perspectiva distinta donde el artista presenta una realidad desde su óptica. Con esta performance lo que hice fue aprovechar esa visión artística y mezclarla con la tecnología para llevar un mensaje a todos aquellos que observaban.
RS: Cuéntanos sobre el proceso de creación de la obra que hiciste en el Parque Nacional Los Tres Ojos, ¿qué viste allí qué te atrajo a crear una nueva pieza aquí en la República Dominicana?
LB: Lo que me atrajo de este parque fue lo virgen de su naturaleza y que transmite una belleza que es raro encontrar hoy en día, sobre todo en las ciudades y en países muy desarrollados.
RS: Cuéntanos sobre tu trabajo hoy con Fernando Varela, ¿cómo ha sido el proceso y qué ha significado para ti?
LB: Normalmente hago colaboraciones, sea con marcas o con otros artistas. Anteriormente había colaborado con otros artistas de América Latina, como el colombiano Fernando Botero, y es un proceso que disfruto. Siento que las obras de Fernando Varela tienen algo muy representativo de la cultura latinoamericana; lo veo en el uso de los colores, las formas, las líneas. De Fernando he aprendido sobre su perfeccionismo; él como artista tiene ciertos estándares, tiene esa exigencia de lo que espera de su propio trabajo y eso es algo que me llevo de esta colaboración. Es una persona muy agradable.
RS: ¿Qué podemos esperar de tu participación en FIACI y de la feria en general?
LB: Tengo altas expectativas sobre esta feria. Ustedes son un país turístico que atrae a muchas personas, sea que vengas a disfrutar de unas vacaciones o que estén aquí por trabajo, estoy seguro que todos podrán disfrutar de todo lo que FIACI traerá a los amantes del arte, locales o internacionales.
RS: ¿Consideras que este tipo de actividades son importantes, o incluso relevantes, para con la sociedad?
LB: Claro que sí. Y lo considero así porque tengo la certeza de que el arte influye en la gente, en la sociedad y sé que muchas otras personas tienen ese mismo punto de vista, esa forma de ver el arte.
RS: ¿Qué le llevó a usted a aceptar esta colaboración? ¿Ya conocía su trabajo antes de esta colaboración?
FV: Sí, ya conocía el trabajo de él. Lo había visto, mayormente en sus redes sociales, y cuando surge la posibilidad y la invitación a hacer una obra en colaboración, pues a mí me pareció fantástico, porque lo estamos haciendo sobre una obra mía y la experiencia es sumamente divertida.
Además, no es solamente la obra en sí, sino el proceso de la obra. Es un momento un poco tenso, por lo que uno (como artista) requiere, lo que requiere la obra de nosotros y lo que requerimos de los artistas que nos colaboran para hacer la pintura. La obra mía, en particular esa serie, tiene muchas veladuras, muchas transparencias, y todo eso es un desafío, tanto para Liu, que es su obra, como para mi que soy parte de ella, y para los artistas que tienen que lograr lo que nosotros queremos plasmar, porque si no, no quedamos lo suficientemente fundidos en la obra.
RS: ¿Cómo fue trabajar con Liu Bolin, tomando en cuenta que tiene una cultura tan diferente a la suya?
FV: Fue un proceso sencillo. Yo pienso que por la experiencia en este tipo de performance, uno va aprendiendo a integrarse en diferentes ambientes, con artistas diferentes; entonces, él es una persona sumamente llevadera; y yo, como todo artista, a veces soy un poquito exigente, pero en este caso no, porque él es una persona educada, muy agradable, muy cortés, y a la hora de trabajar en la obra ya fue mucho más fácil hacer el trabajo.
RS: Y hablando de la obra seleccionada para esta colaboración, háblenos sobre esta pieza y el motivo por el que fue seleccionada.
FV: Esa obra es un díptico que tenía terminado hacía unos dos meses. Es una obra de una serie que se llama “Close-ups” y, entre las que tenía a disposición del proyecto, elegimos esta porque se requería una obra de cierto tamaño, de una altura como la que conseguimos y, finalmente, pues nos decidimos por esta y creo que la vamos a exhibir también en la feria. O sea, la pintura sola y la obra en colaboración con Liu que estará en su espacio.
Obviamente, él la vio; vio mi trabajo –porque tiene que saber con quién es que se va a reunir– ; él solo había hecho estas colaboraciones en una ocasión.
RS: Usted va a tener su propia exposición dentro de la feria. ¿Qué podemos esperar de las obras de Fernando Varela?
FV: Vamos a ver un grupo de obras nuevas. Uno de los deseos de la organización de la feria era que los artistas locales que participan presentaran obras no exhibidas anteriormente. Y tiene lógica; porque para el público nuestro tienen que ser obras preferiblemente no exhibidas nunca. O sea, que todo en la feria tenga la misma novedad. Yo participaré quizás con tres esculturas y tres o cuatro pinturas grandes.
Fernando Varela & Liu Bolin:
Two artists, the same mission
Social Rhythm / Ebel Echavarría
Does life imitate art or art imitate life? It is a question that has haunted me since, in 2014, actress Jessica Lange performed Gods & Monsters, one of Lana Del Rey's musical hits, from her album Born to Die, for one of Ryan's many successful productions. Murphy. And, at first glance, the answer might seem simple, but it becomes increasingly more complex to the extent that we experience that bilateral relationship that exists between everything that is art and the source of inspiration from which it is born.
It is a question that I explore every time I have the opportunity to talk with artists, such as this interview with Liu Bolin, a Chinese artist who began his career in the arts as a form of protest, almost twenty years ago; and Fernando Varela, renowned Dominican-Uruguayan artist, whose career and works speak about him in ways that only art can express.
In my conversation with them, this issue was more present than ever. But, although I did not seek your opinion on the matter, it is a question that I want to leave with you, our dear readers, and invite you to explore the answers during the next FIACI art fair, which will take over our country starting on December 16. April of this year.
Social Rhythm: I want to start the interview by highlighting the fact that, in your art, you make yourself invisible in a world in which most people want to stand out. Could you perhaps explain where this comes from?
Liu Bolin: In 2005, back in China, the government destroyed my studio, that's when I started creating this type of art where I blend into spaces. It was my way of expressing myself through art; It was a way of protesting against what had happened with the Chinese authorities that began at that moment and that has continued over time with other performances that I have been doing since then.
Fernando Varela: Liu Bolin is an artist with a great career, and I believe that his work, above all, is a very personal, very creative work and offers him the opportunity to venture into different spaces, be they exterior or interior. ; in different atmospheres that he chooses and, although he is there, he seems to be not there. And it seems like an intimate work to me because, as you said, he immerses himself in a certain way in the space in which he does the performance. So, more than invisible, it seems to be a work of a dual reading, because he is there, observing the space, and one (who observes the work) ends up discovering him.
RS: In an interview for The Creators Project a few years ago, he mentioned that he does everything possible “to convey the meaning of being invisible.” What does that mean to you?
LB: It has a very personal meaning. The main reason for becoming invisible is to become part of things, places of daily life that, sometimes, go unnoticed in our daily lives, even though they are always there. So, this has several meanings to me; The first, and most important, is based on a popular Chinese saying that “heaven and earth are one”, so I see this art as a representation that nothing is truly separate, everything is unified. That's why I normally focus on two types of backgrounds, which are: first the natural world, everything that has to do with nature and what makes it up, like, for example, on this trip, a work was done in the Dunes of Baní and also in the Los Tres Ojos National Park.
And the second is made up of things created by humans, for example, an artistic work (like this collaboration with Fernando Varela) and everything that can be human creation. So, in summary, I always focus on these two types of backgrounds: the spaces of nature and those that result from human creativity.
RS: How would you define the work you do in those spaces?
LB: My work is an expression that comes from the soul, it is like that inspiration that you find deep within yourself. In the case of the work I do, I believe that the artist is like the canvas, it is the container where all that inspiration that one wants to transmit is expressed. But the works that result from that inspiration, by the time they are placed in a gallery, already become a whole set of expressions of various situations.
RS: You started with these works in 2005, in China, your native country. Until now, almost 20 years later, what is your motivation to continue making this type of art where you blend into a space and become almost imperceptible?
LB: It's a question I ask myself constantly. I have reflected a lot on her. Outside of these works that I make, I have others such as paintings, montages and installations and there, for example, I use other types of techniques. And one of the motivations that allow me to continue making works to camouflage myself or become invisible is that the world of now and the world of twenty years ago have completely different problems; for example or, we have the war between Russia and Ukraine, the situation between Gaza and Israel; So, really over time new themes appear that work to continue expressing that initial motivation I had to make this type of art.
And, even though I started in China, I have had the opportunity to express myself around the world, which has made my art not only an individual expression, but also that need to represent many people in different places.
I would like my art to be a topic of discussion, especially now that, after the pandemic, there are many more
"The main reason for becoming invisible is to become part of things, of places in everyday life that sometimes go unnoticed." Liu Bolin Topics to discuss. Liu Bolin
RS: What meaning did art have for you before you became an artist?
LB: I was always immersed in art and for me that was my talent, that was my ability. When I was in elementary school, before starting my career as an artist, I had realized that I was more talented at drawing and painting, I was more creative than most of my classmates and other people my age. I was building my self-esteem as an artist in the process of professional training. When we had to draw a new model, the teacher would approach me to ask if he had done it before; Already at the time of graduating from high school, many of my classmates approached me for help with drawing classes.
RS: As an artist, doing some type of activism with your work, beyond the exciting visual challenge, what do you want to communicate to the viewer, to those who encounter your art?
LB: I have different expectations with my works, it depends on who experiences it. One is for the people who work in the art world, for them I would like my art to be a topic of discussion, especially now that, after the pandemic, there are many more topics to discuss. For example topics related to nature. My expectations, in this sense, are much broader because I would also like my art to be an incentive for other artists to challenge themselves to improve their techniques. I like to create circles with young artists and recognized artists and, as I told you, generate conversation about what can be done in the future through the arts.
In the other area, it would be with people who are not involved in this world, but who appreciate art in all its forms. Because my art is like an invitation to reflect on the things that are happening now and their possible consequences in the future, it is like inviting observation to find solutions to possible future issues.
RS: How is what you say achieved from the type of art you create where you merge into a space and become part of it?
LB: The performances I have done here may not have the same impact as my previous works. But, for example, I did a job in Beijing in 2015, when there was a very strong pollution problem; and what I did was that I started making lives on social networks to transmit a message of awareness. But the interesting thing about this performance, this work, was that I painted myself to camouflage myself in the environment, in the dense and polluted air of China, and the way I did it was by covering myself with cell phones placed on a life jacket around my torso, and all the cell phones were recording the surroundings, which was like disappearing into the environment. So, the intention of this was to create a conversation about the seriousness of environmental pollution from a different perspective where the artist presents a reality from his perspective. With this performance, what I did was take advantage of that artistic vision and mix it with technology to bring a message to all those who were observing.
RS: Tell us about the process of creating the work you did in Los Tres Ojos National Park, what did you see there that attracted you to create a new piece here in the Dominican Republic?
LB: What attracted me to this park was how unspoiled its nature is and that it conveys a beauty that is rare to find today, especially in cities and highly developed countries.
RS: Tell us about your work today with Fernando Varela, what has the process been like and what has it meant to you?
LB: I usually do collaborations, whether with brands or other artists. I had previously collaborated with other artists from Latin America, such as the Colombian Fernando Botero, and it is a process that I enjoy. I feel that Fernando Varela's works have something very representative of Latin American culture; I see it in the use of colors, shapes, lines. From Fernando I have learned about his perfectionism; He as an artist has certain standards, he has that demand for what he expects from his own work and that is something that I take away from this collaboration. He is a very nice person.
RS: What can we expect from your participation in FIACI and the fair in general?
LB: I have high expectations about this fair. You are a tourist country that attracts many people, whether you come to enjoy a vacation or are here for work, I am sure that everyone will be able to enjoy everything that FIACI will bring to art lovers, local or international.
RS: Do you consider that these types of activities are important, or even relevant, to society?
LB: Of course. And I consider it this way because I am certain that art influences people, society, and I know that many other people have that same point of view, that way of seeing art.
RS: What led you to accept this collaboration? Did you already know your work before this collaboration?
FV: Yes, I already knew his work. I had seen it, mostly on their social networks, and when the possibility and invitation to do a collaborative work arose, it seemed fantastic to me, because we are doing it on a work of mine and the experience is extremely fun.
Furthermore, it is not only the work itself, but the process of the work. It is a somewhat tense moment, because of what one (as an artist) requires, what the work requires of us and what we require of the artists who collaborate with us to make the painting. My work, in particular that series, has many glazes, many transparencies, and all of that is a challenge, both for Liu, who is his work, and for me who am part of it, and for the artists who have to achieve what that we want to capture, because if not, we do not remain sufficiently fused in the work.
RS: What was it like working with Liu Bolin, taking into account that he has such a different culture than yours?
FV: It was a simple process. I think that through experience in this type of performance, one learns to integrate into different environments, with different artists; So, he is an extremely easy-going person; and I, like every artist, sometimes I am a little demanding, but in this case not, because he is an educated person, very nice, very courteous, and when it came time to work on the work it was much easier to do the work.
RS: And speaking of the work selected for this collaboration, tell us about this piece and why it was selected.
FV: That work is a diptych that I had finished about two months ago. It is a work from a series called “Close-ups” and, among those that were available for the project, we chose this one because a work of a certain size was required, of a height like the one we achieved and, finally, we decided for this one and I think we are also going to exhibit it at the fair. That is, the painting alone and the work in collaboration with Liu that will be in his space.
Obviously, he saw her; He saw my work – because he has to know who he is going to meet with; He had only done these collaborations once.
RS: You are going to have your own exhibition within the fair. What can we expect from the works of Fernando Varela?
FV: We are going to see a group of new works. One of the wishes of the fair organization was for the local artists participating to present works not previously exhibited. And it makes sense; because for our public they have to be works preferably never exhibited. In other words, everything at the fair has the same novelty. I will participate with perhaps three sculptures and three or four large paintings.
