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Colina Milliard
En la segunda entrevista de una nueva serie dedicada al trabajo de los artistas más allá del arte, habla sobre su aclamada colaboración con el coreógrafo Wayne McGregor, los peinados y el poder de la ignorancia.
Los artistas no solo hacen arte: se aventuran a lo largo y ancho. Y pocas de estas incursiones han sido más fructíferas que cuando las llevan a los escenarios. La historia de pintores y escultores que diseñan escenografías y vestuario para ópera y danza es excepcionalmente rica. El extraordinario empresario Sergei Diaghilev marcó la pauta a principios del siglo XX para Les Ballets Russes al reunir a Coco Chanel, Jean Cocteau y Pablo Picasso con la coreógrafa Bronislava Nijinska. Muchos otros siguieron, entre ellos Sonia Delaunay, David Hockney y Henry Moore.
En este linaje se inscribe la colaboración de Tacita Dean con el coreógrafo Wayne McGregor y el compositor Thomas Adès en The Dante Project. Presentada por primera vez en su totalidad en la Royal Opera House de Londres en 2021, la pieza de danza es una reinterpretación del poema épico medieval de Dante Alighieri, La Divina Comedia (c. 1308-1321). Sigue al joven Dante en su viaje por el infierno, el purgatorio y, finalmente, el paraíso, guiado por el poeta clásico Virgilio y su etérea musa Beatrice.
Izquierda: Tacita Dean por Jim Rakete. Derecha: Tacita Dean, The Wreck of Hope (detalle), 2022. Cortesía del artista. Izquierda: Tacita Dean por Jim Rakete. Derecha: Tacita Dean, The Wreck of Hope (detalle), 2022. Cortesía de la artista.
The Dante Project es la primera incursión de Dean en el mundo de la danza. La artista, mejor conocida por su amor por los medios analógicos, acaba de abrir una muestra de nuevos trabajos en La Bourse de Commerce en París. 'Geography Biography' es la última de una serie de prestigiosas exposiciones que han marcado su carrera de 30 años, desde la Galería Nacional de Londres (2018) hasta el Centro Pompidou de París (2018) y el New Museum de Nueva York (2012). Un mes antes del lanzamiento de 'Geography Biography' en La Bourse de Commerce, The Dante Project se inauguró en la Ópera Garnier, también en París, donde un nuevo elenco realizó el viaje iniciático bajo el icónico techo pintado de Marc Chagall. La pieza regresará pronto a Londres, donde el Royal Ballet la revivirá en The Royal Opera House en Covent Garden, Londres, del 18 de noviembre al 2 de diciembre de 2023.
En esta entrevista, la segunda de una nueva serie que revisa el tema de las Conversaciones de Art Basel de 'El artista como...', que analizó las actividades de los artistas más allá de las artes visuales, Dean profundiza en su colaboración con McGregor y Adès.
¿Cómo surgió El Proyecto Dante? ¿En qué momento te uniste al equipo?
Wayne me invitó. Él y Tom habían decidido explorar una idea basada en la Divina Comedia de Dante, y como eran Wayne y Tom y Dante, dije que sí. Entonces, he estado involucrado desde el principio, más o menos.
¿Llegaron a ti con la música y la coreografía?
Oh no, no había nada al principio. De hecho, creé mis diseños antes de ver cualquier coreografía o escuchar música.
Nunca antes habías hecho escenografía o diseño de vestuario, y tenías muy poco para seguir aparte de la propia Divina Comedia.
Sí, y yo estaba perdido. La mayoría de los diseñadores trabajan con una partitura existente pero, en este caso, Tom todavía estaba componiendo la música mientras yo trabajaba en el set. La coreografía generalmente viene en último lugar. Al final, encontré mi camino simplemente apegado a mi propio enfoque y sin tratar de imaginar cómo lo haría un escenógrafo. Hice lo que quería hacer como artista: un dibujo, una fotografía y una película.
Edward Watson y Fumi Kaneko en The Dante Project © 2021 ROH. Fotografía de Andrej Uspenski. Edward Watson y Fumi Kaneko en The Dante Project © 2021 ROH. Fotografía de Andrej Uspenski.
En el primer acto, Infierno, el decorado es un enorme dibujo a tiza. Luego, en el segundo acto, Purgatorio, hay una fotografía de un árbol. El acto final, Paradiso, presenta una película abstracta. Los tres pilares de su práctica de artes visuales se desarrollan junto con la coreografía misma.
Decidí usar diferentes medios porque quería que cada una de las partes fuera muy diferente visualmente. Los tres actos tienen identidades distintas en términos de diseño, música y coreografía.
¿Cuánto de un breve tenías?
El resumen era, simplemente, 'Dante'. Originalmente, a Tom se le encargó escribir Inferno como primer acto y Purgatorio y Paradiso como segundo acto. Pero realmente pensé que era importante tener Purgatorio como un acto propio. Originalmente, le propuse a Wayne guardar silencio por Purgatorio, solo un momento de silencio. Luego, lo discutimos con Tom, quien sugirió sonido grabado. Al final, Tom usó sonido grabado y música compuesta para Purgatorio, que es un acto muy importante.
De esa manera, conectó con la experiencia de la pandemia. Para algunas personas fue realmente un infierno, pero para la mayoría de nosotros fue una especie de purgatorio. Cuando finalmente se inauguró el espectáculo el 14 de octubre de 2021, finalmente llegamos al lanzamiento del paraíso. Fue una increíble sensación de libertad después de los dos años anteriores que todos habíamos tenido.
¿Cómo se diseña arte para cuerpos en movimiento?
Esa también fue una gran curva de aprendizaje. Empecé en un lugar completamente diferente y gradualmente me volví más minimalista. Al final, la tiza y el polvo de tiza se convirtieron en y metáfora. Todo el concepto comienza en lo negativo y pasa a lo positivo a través del Purgatorio, que representa un estado de transición de negativo a positivo. En Inferno, los disfraces están rociados de negro con tiza blanca, que se asemejan a dibujos de pizarra. El pecado es blanco, por lo que cuanto más peca un alma, más blanca se vuelve, contrariamente a la tradición cultural occidental, donde el pecado a menudo se representa como negro. Al final, los bailarines se transforman en gloriosas almas plateadas/doradas: pasan de pecadores a penitentes y almas.
Los personajes de Dante y Virgilio también comienzan con trajes que son el color negativo de sus representaciones tradicionales. En las ilustraciones de Sandro Botticelli y William Blake, por ejemplo, Dante siempre se muestra vestido de rojo mientras que Virgilio siempre de azul. Usé los negativos de los colores exactos que Botticelli usó en sus dibujos: el negativo del rojo de Dante es un azul turquesa y el negativo del azul de Virgilio es un amarillo sucio.
Joseph Sissens, Matthew Ball y Ryoichi Hirano en The Dante Project © 2021 ROH. Fotografía de Andrej Uspenski.Joseph Sissens, Matthew Ball y Ryoichi Hirano en The Dante Project © 2021 ROH. Fotografía de Andrej Uspenski.
¿Sintió que esta invitación le dio algo de libertad, o tal vez un alivio, del arte visual tal como lo ha estado practicando durante las últimas tres décadas más o menos?
Ha sido completamente emocionante hacer esto, y un poco agotador. Pero, sí, absolutamente emocionante. Como es evidente incluso en trabajos tempranos como Foley Artist (1996), siempre me ha encantado estar detrás del escenario; el detrás de escena siempre ha sido interesante para mí.
Este proyecto cambió por completo tu relación con tu audiencia. Como artista visual, siempre se te presenta al frente y al centro. Aquí, su trabajo literalmente toma un papel secundario. También está siendo visto por personas que probablemente nunca antes hayan oído hablar de su práctica.
¡Y estoy seguro de que no saben quién soy ahora! Cuando se levantó el telón por primera vez en Los Ángeles [donde se estrenó el primer acto, Inferno: Pilgrims en el Music Center en 2019] y el público vio el dibujo en la pizarra, hubo un grito ahogado audible. Este fue el mejor momento. Pero ha sido una gama completa de todo. Cuando ensayábamos en el Palais Garnier, recibía notas sobre el cabello y los peinados. Y recuerdo haber pensado: '¡No sé nada sobre peinado o maquillaje!' Tener que ser la persona responsable de eso fue difícil.
¿Cuál fue el mayor desafío, mirando hacia atrás?
El primer desafío fue resolver cómo comenzar a pensar en ello. Y lo evité durante mucho tiempo. Wayne envió a su asociada de diseño, Catherine Smith, para ayudarme en Los Ángeles. Ella fue de gran ayuda porque sabe sobre elevaciones, cómo funciona esto, cómo funciona eso, no tenía ni idea. El lado de la ignorancia, simplemente ser un pato fuera del agua, fue difícil al principio. Pero Catherine realmente me ayudó a descubrir cómo funcionaría en el escenario lo que yo quería hacer.
El segundo desafío fue diseñar el vestuario, y obtuve mucha ayuda de Fay Fullerton, directora de vestuario de la Royal Opera House de Londres. Ella decía: 'Sé que no sabes lo que quieres, pero sí sabes lo que no quieres'. Me encantó. Aunque no sé si lo volveré a hacer.
¿Qué puede aportar un artista visual a un proyecto teatral que no pueda aportar un escenógrafo profesional o un diseñador de vestuario?
Tal vez la respuesta sea la ignorancia. Haces las cosas sin estar limitado por tu entrenamiento. Eso es libertad, ¿no?
Vista de instalación de la exposición de Tacita Dean 'Geography Biography', Bourse de Commerce - Pinault Collection, París, 2023. Cortesía del artista. Vista de instalación de la exposición de Tacita Dean 'Geography Biography', Bourse de Commerce - Pinault Collection, París, 2023. Cortesía del artista
Tacita Dean está representada por Frith Street Gallery (Londres) y Marian Goodman (Nueva York, París, Los Ángeles).
tacita decano
'Biografía Geográfica'
Hasta el 18 de septiembre de 2023
Bolsa de Comercio - Colección Pinault, París
Coline Milliard es la editora ejecutiva de Art Basel.
Publicado el 9 de junio de 2023.
Leyenda de las imágenes con sangrado completo, de arriba a abajo: 1. Edward Watson y Sarah Lamb en The Dante Project © 2021 ROH. Fotografía de Andrej Uspenski. 2. Artistas del Royal Ballet en The Dante Project, The Royal Ballet © 2021 ROH. Fotografía de Andrej Uspenski 3. El Proyecto Dante, The Royal Ballet. 4. Tacita Dean dibujando La carta de Montafon, 2017.
Tacita Dean on turning her hand to costume and set design for The Dante Project
Coline Milliard
In the second interview in a new series dedicated to artists’ work beyond art, she discusses her acclaimed collaboration with choreographer Wayne McGregor, hairdos, and the power of ignorance
Artists don’t just make art: They venture far and wide. And few of these forays have been more fruitful than when they take them to the stage. The history of painters and sculptors designing sets and costumes for opera and dance is exceptionally rich. Impresario extraordinaire Sergei Diaghilev set the tone at the turn of the 20th century for Les Ballets Russes by bringing together Coco Chanel, Jean Cocteau, and Pablo Picasso with the choreographer Bronislava Nijinska. Countless others followed, among them Sonia Delaunay, David Hockney, and Henry Moore.
Tacita Dean’s collaboration with choreographer Wayne McGregor and composer Thomas Adès on The Dante Project is inscribed in this lineage. First presented in full at the Royal Opera House in London in 2021, the dance piece is a reinterpretation of Dante Alighieri’s epic medieval poem the Divine Comedy (c. 1308–1321). It follows the young Dante as he journeys through hell, purgatory, and, finally, paradise, guided by the classical poet Virgil and his ethereal muse Beatrice.
Left: Tacita Dean by Jim Rakete. Right: Tacita Dean, The Wreck of Hope (detail), 2022. Courtesy of the artist.Left: Tacita Dean by Jim Rakete. Right: Tacita Dean, The Wreck of Hope (detail), 2022. Courtesy of the artist.
The Dante Project is Dean’s first venture into the world of dance. The artist, who is best known for her love of analog media, has just opened a show of new works at La Bourse de Commerce in Paris. ‘Geography Biography’ is the latest in a string of prestigious exhibitions that have marked her 30-year career, from London’s National Gallery (2018) to Paris’s Centre Pompidou (2018) and New York’s New Museum (2012). One month before the launch of ‘Geography Biography’ at La Bourse de Commerce, The Dante Project opened at Opera Garnier, also in Paris, where a new cast performed the initiatory journey under Marc Chagall’s iconic painted ceiling. The piece will soon come back to London, where the Royal Ballet will revive it at The Royal Opera House in Covent Garden, London, from November 18th to December 2nd, 2023.
In this interview – the second in a new series that revisits the Art Basel Conversations topic of ‘The Artist as …’, which looked at artists’ activities beyond the visual arts – Dean delves into her collaboration with McGregor and Adès.
How did The Dante Project come about? At what point did you join the team?
Wayne invited me. He and Tom had decided to explore an idea based on Dante’s Divine Comedy – and because it was Wayne and Tom, and because it was Dante, I said yes. So, I have been involved from the beginning, more or less.
Did they come to you with the music and the choreography?
Oh no, there was nothing at first. In fact, I created my designs before seeing any choreography or hearing any music.
You’d never done stage or costume design before, and you had very little to go on apart from the Divine Comedy itself.
Yes – and I was lost. Most designers work with an existing score but, in this case, Tom was still composing the music while I worked on the set. Choreography generally comes last. In the end, I found my feet just by sticking to my own approach and not trying to imagine how a scenographer would go about it. I made what I wanted to make as an artist: a drawing, a photograph, and a film.
Edward Watson and Fumi Kaneko in The Dante Project © 2021 ROH. Photograph by Andrej Uspenski.Edward Watson and Fumi Kaneko in The Dante Project © 2021 ROH. Photograph by Andrej Uspenski.
In the first act, Inferno, the set is an enormous chalk drawing. Then, in the second act, Purgatorio, there is a photograph of a tree. The final act, Paradiso, features an abstract film. The three pillars of your visual art practice unfold alongside the choreography itself.
I decided to use different media because I wanted each of the parts to be very different visually. The three acts have distinct identities in terms of design, music, and choreography.
How much of a brief did you have?
The brief was, simply, ‘Dante.’ Originally, Tom was commissioned to write Inferno as the first act and Purgatorio and Paradiso as the second act. But I really thought it was important to have Purgatorio as its own act. Originally, I proposed to Wayne having silence for Purgatorio – just a moment of silence. Then, we discussed it with Tom, who suggested recorded sound. In the end, Tom used recorded sound as well as composed music for Purgatorio, which is a very important act.
In that way, it connected with the experience of the pandemic. For some people, it really was hell, but for most of us, it was a sort of purgatory. When the show eventually opened on October 14, 2021, we finally came to the release of paradise. It was an incredible feeling of freedom after the previous two years we’d all had.
How does one design art for moving bodies?
That was also a huge learning curve. I began in a completely different place and gradually became more minimal. In the end, chalk and chalk dust became y metaphor. The entire concept starts in the negative and transitions to the positive through Purgatorio, which represents a transitional negative-to-positive state. In Inferno, the costumes are black sprayed with white chalk, resembling blackboard drawings. Sin is white, so the more a soul has sinned, the whiter they become – contrary to the Western cultural tradition, where sin is often depicted as black. By the end, the dancers transform into glorious silver/gold souls: they go from sinners to penitents to souls.
The characters of Dante and Virgil also start out in costumes that are the negative color of their traditional depictions. In illustrations by Sandro Botticelli and William Blake, for instance, Dante is always shown dressed in red while Virgil is always in blue. I used the negatives of the exact colors Botticelli used in his drawings: the negative of Dante’s red is a turquoise blue and the negative of Virgil’s blue is a dirty yellow.
Joseph Sissens, Matthew Ball and Ryoichi Hirano in The Dante Project © 2021 ROH. Photograph by Andrej Uspenski.Joseph Sissens, Matthew Ball and Ryoichi Hirano in The Dante Project © 2021 ROH. Photograph by Andrej Uspenski.
Did you feel like this invitation gave you some freedom – or a relief, perhaps – from visual art as you’ve been practicing it for the past three decades or so?
It’s been completely thrilling to do this – and a little exhausting. But, yes, utterly thrilling. As is evident even from early works like Foley Artist (1996), I’ve always loved being backstage; the behind-the-scenes has always been interesting to me.
This project completely changed your relationship to your audience. As a visual artist, you are always presented front and center. Here, your work literally takes a background role. It’s also being seen by people who have probably never heard of your practice before.
And I’m sure they don’t know who I am now! When the curtains first raised in Los Angeles [where the first act, Inferno: Pilgrims premiere at the Music Center in 2019] and the audience saw the blackboard drawing, there was an audible gasp. This was the best moment. But it has been a full gamut of everything. When we were rehearsing at the Palais Garnier, I’d be getting notes about hair and hairdos. And I remember thinking, ‘I don’t know anything about hair or make up!’ Having to be the person responsible for that was hard.
What was the biggest challenge, looking back?
The first challenge was solving how to even begin to think about it. And I just avoided it for very long time. Wayne sent his design associate, Catherine Smith, to help me in LA. She was really helpful because she knows about elevations – how this works, how that works – I hadn’t got a clue. The ignorance side of it – just being so much of a duck out of water – was tough initially. But Catherine really helped me figure out how what I wanted to do would work on stage.
The second challenge was designing the costumes, and I got a lot of help from Fay Fullerton, Head of Costume at London’s Royal Opera House. She’d say: ‘I know you don’t know what you want, but you do know what you don’t want.’ I loved it. I don’t know if I’ll ever do it again, though.
What can a visual artist bring to a theatrical project that a professional stage designer or costume designer can’t?
Maybe the answer is ignorance. You do things without being limited by your training. That’s freedom, isn’t it?
Installation view of Tacita Dean’s exhibition ‘Geography Biography’, Bourse de Commerce - Pinault Collection, Paris, 2023. Courtesy of the artist.Installation view of Tacita Dean’s exhibition ‘Geography Biography’, Bourse de Commerce - Pinault Collection, Paris, 2023. Courtesy of the artist.
Tacita Dean is represented by Frith Street Gallery (London), and Marian Goodman (New York, Paris, Los Angeles).
Tacita Dean
‘Geography Biography’
Until September 18, 2023
Bourse de Commerce - Pinault Collection, Paris
Coline Milliard is Art Basel’s Executive Editor.
Published on June 9, 2023.
Caption for full-bleed images, from top to bottom: 1. Edward Watson and Sarah Lamb in The Dante Project © 2021 ROH. Photograph by Andrej Uspenski. 2. Artists of the Royal Ballet in The Dante Project, The Royal Ballet © 2021 ROH. Photograph by Andrej Uspenski 3. The Dante Project, The Royal Ballet. 4. Tacita Dean drawing The Montafon Letter, 2017.
