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Bienal de Venecia 2022: los pabellones imperdibles del Arsenale


Desde una personificación de Gauguin hasta fuego lloviendo del cielo, aquí están las mejores exposiciones en los antiguos astilleros de la ciudad.


OCA|News / Bienal de Venecia 2022 / Art Newspaper / Junio 27, 2022 / Internacional / Fuente externa


Por: José da Silva, Gareth Harris, Hannah McGivern y Tom Seymour / 20 abril 2022



Detalle de la Puerta de Jano (2021) de Ayman Baalbaki, expuesta en el Pabellón Libanés Foto: Federico Vespignani © LVAA

https://www.theartnewspaper.com/2022/04/20/venice-biennale-2022-the-must-see-pavilions-in-the-arsenale



Pabellón libanés

El mundo a imagen del hombre, Danielle Arbid y Ayman Baalbaki


Las instalaciones expuestas en el Pabellón Libanés reflejan el caos interminable que aflige al país de Oriente Medio, que se ha derrumbado tanto económica como políticamente. El video de pantalla dividida de Arbid, Allô Chérie (2022), está deteniendo a los visitantes del Arsenale en seco: ¿qué es esta siniestra persecución de autos alrededor de Beirut y por qué la mujer que narra la pieza está constantemente persiguiendo dinero? “La voz en la película es la de mi madre”, le dice Arbid a The Art Newspaper. “Instalé una máquina de espionaje en su teléfono móvil con su consentimiento. Pensé que tenía una vida muy tranquila, pero luego descubrí que tenía un secreto y estaba administrando su propio sistema bancario”.


La grabación de audio frenética y desesperada se realizó hace tres años, pero la pieza de video se armó este año y ganó importancia luego de la gran explosión en el puerto de Beirut en agosto de 2020, que dejó más de 200 muertos. “Líbano tiene tantos problemas de dinero”, dice Arbid. La instalación a dos caras de Baalbaki, Janus Gate (2021), refuerza la idea de una ciudad fragmentada; un lado está cubierto con seductoras luces de neón y lonas pintadas con aerosol, mientras que una choza desconcertante llena de escombros se encuentra detrás de la fachada de mal gusto, ilustrando de manera elocuente y contundente las "dos caras" de Beirut.




Cortesía de Turba Tol y Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile © Ugo Carmeni


Pabellón de Chile

Turba Tol Hol-Hol Tol, varios artistas e investigadores


¿Cómo es ser sumergido en las profundidades de una turbera? El Pabellón de Chile recrea el viaje a medida que los visitantes son conducidos a una plataforma circular rodeada por una pantalla translúcida en la que se proyectan imágenes del descenso hacia el vientre chapucero de una tubería.


Todo alrededor es musgo húmedo vivo, cuyo olor te golpea incluso antes de entrar al pabellón. Una banda sonora hace temblar el suelo mientras los cánticos tribales, los ruidos guturales y los gritos agudos llenan el aire. A medida que vuelves a emerger a la luz del día, las figuras bailan a tu alrededor.


Pero todo este teatro tiene un punto serio: comprender y, lo que es más importante, conservar las turberas es esencial si queremos mitigar con éxito las crecientes emisiones de CO2 causadas por las actividades humanas. Según los organizadores de la presentación, las turberas “absorben más carbono que los bosques, capacidad que convierte a estos humedales en uno de los ecosistemas más valiosos del planeta”.


Estas tierras, en este caso situadas en el extremo sur de América del Sur en la Patagonia, también tienen importancia cultural. Aquí han sido el hogar del pueblo indígena Selk’nam durante ocho milenios. Y tendrán que seguir existiendo si queremos tener alguna esperanza de existencia humana en este planeta durante muchos milenios más. (Para obtener más información sobre las turberas y la cultura Selk'nam, visite el fascinante sitio web del pabellón).



Bienal de Venecia 2022: los pabellones imperdibles de los Giardini

Alison Cole, José da Silva, Aimee Dawson, Gareth Harris, Hannah McGivern y Tom Seymour




Vista de instalación de La paz es una promesa corrosiva de Herbert Rodríguez, en el Pabellón Peruano Foto cortesía del Pabellón Peruano

Pabellón Peruano

La paz es una promesa corrosiva, Herbert Rodriguez


Herbert Rodríguez fue una vez un estudioso estudiante de bellas artes en la Pontificia Universidad Católica en Lima, Perú. Pero, a los 21 años, renunció y desapareció entre las sombras de los Subterráneos. A lo largo de la década de 1980, el joven artista hizo del metro limeño su galería, trabajando en medio de nuevos colectivos como Artistas Visuales Asociados y el grupo Las Bestias.


La obra expuesta en Venecia responde a las realidades de la nueva democracia peruana, nacida de las cenizas de un gobierno de junta de 12 años. El título de la exposición, La paz es una promesa corrosiva, refleja el autoritarismo, el terrorismo y la violencia implacable que a menudo definieron los primeros intentos de democracia en Perú, cuando facciones en guerra luchaban por el poder y la supremacía.


Rodríguez es el único representante de Perú en su pabellón, y esta es una de las primeras veces que el artista ha sido reconocido significativamente por el mundo del arte occidental establecido. Pero esto no es bellas artes, es punk. Rodríguez siempre se ha mantenido desinteresado en el sistema de galerías. Su obra es fungible y cruda; Agit-prop desechable hecho para la calle. El trabajo que se exhibe en Venecia está impreso en papel barato producido en masa; como lo fue en Lima en la década de 1980.


Las obras son directas hasta el punto de espeluznantes: collages con forma de pene, llenos de fotografías tomadas de revistas porno. nes cortados y moldeados para teselar con imágenes documentales de conflicto, o intercalados con titulares que informan sobre violencia política tomados de periódicos.


Pero la intención es clara. Una obra reutiliza el texto de un informe de Amnistía Internacional, que data de octubre de 1983, que detalla torturas, desapariciones y ejecuciones en la capital peruana. Rodríguez transforma el texto seco y técnico en una animada animación gráfica.



Una vista de instalación del Paradise Camp de Yuki Kihara en el Pabellón de Nueva Zelanda

Foto: Lucas Walker




Una vista de instalación del Paradise Camp de Yuki Kihara en el Pabellón de Nueva Zelanda Foto: Lucas Walker

Pabellón de Nueva Zelandia

Campamento Paraíso, Yuki Kihara


Con ingenio y brío, Yuki Kihara reelabora las problemáticas pinturas polinesias de Paul Gauguin para centrar a los miembros de la comunidad del "tercer género" de Samoa, los Fa'afafine, incluida ella misma. Un grupo culturalmente reconocido en la sociedad de Samoa durante generaciones, los Fa'afafine son personas a las que se les asignó un sexo masculino al nacer pero que expresan su género de manera femenina.


Cuando Kihara vio por primera vez las pinturas de Gauguin en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en 2008, le llamó la atención el parecido entre las mujeres tahitianas semidesnudas que representaba y sus amigas Fa'afafine. La investigación revisionista del erudito maorí Ngahuia Te Awekotuku incluso ha sugerido que los modelos de Gauguin eran Mahu, miembros del "tercer género" de Tahití.


Estas fueron las inspiraciones gemelas detrás del proyecto Paradise Camp de Kihara, diseccionando las imágenes eróticas y exóticas del pintor de una isla “paradisíaca”, y recreándolas como retratos de celebración de la cultura queer de Samoa. Esta serie fotográfica triunfante, de tamaño similar a las pinturas originales de Gauguin, cubre dos paredes del pabellón.


Mientras tanto, Kihara literalmente confronta a Gauguin de frente en un video que imagina una conversación entre la pintora del siglo XIX, Kihara se transformó a sí misma a través de prótesis y un bigote falso, y su yo real como Fa'afafine y artista empoderada. En lugar de rechazar su trabajo sin más, ella le informa que simplemente está "reciclando" las pinturas en "algo mucho más fabuloso".




Diplomacia Astuta de Arcangelo Sassolino en el Pabellón de Malta Foto: Agostino Osio, Piano Alto

Pabellón de Malta

Diplomacia Astuta (Diplomacia astuta), Arcangelo Sassolino, Giuseppe Schembri Bonaci y Brian Schembri


Entrar en el Pabellón de Malta es un poco como encontrarse con los momentos finales de una tormenta bíblica de fuego y azufre. Gotas de acero fundido real caen en siete tanques de agua cuadrados, cada uno de los cuales representa las figuras de La decapitación de San Juan Bautista (1608) de Caravaggio. Un sistema complejo está oculto en el techo de la instalación, alimentando un bucle de acero a través de un sistema de inducción que lo calienta a 1.500°C antes de que gotee, como una bola de fuego líquido en miniatura, antes de salir burbujeante en el agua.


Más allá del metal fundido y las tinas hay una gran placa de acero sólido, del mismo tamaño que el lienzo de Caravaggio y en el reverso de la cual hay inscritos textos bíblicos. Los anuncios curatoriales traen varios temas a la mesa, desde alegorías del "ciclo continuo de agencia y pérdida" hasta superponer lo "noético a lo metafísico". Pero usurpar estas narrativas y conceptos intrincados, y a veces demasiado complicados, es la maravilla primordial (la "maravilla", como dice el cocurador Keith Sciberras) de entrar en una habitación y ver fuego lloviendo del cielo.





Historia de la noche y el destino de los cometas de Gian Maria Tosatti para el pabellón italiano Cortesía de DGCC - MiC

Pabellón italiano

Historia de la noche y el destino de los cometas, Gian Maria Tosatti


En el otro extremo del Arsenale se encuentra el cavernoso Pabellón Italiano, un espacio de 2000 metros cuadrados que eclipsa a muchos otros pabellones nacionales juntos. Aquí, Gian Maria Tosatti, el primer artista en solitario seleccionado para mostrar en este enorme lienzo en blanco, ha encontrado el complemento perfecto para sus instalaciones ambientales específicas del sitio.


Esperando en una cola afuera, se les indica a los visitantes que entren uno a la vez y que permanezcan en silencio dentro del pabellón, para preservar la experiencia inmersiva. No se desanime por estas reglas, o el título grandioso de la obra: Tosatti ha orquestado una verdadera transformación que se ve realzada por la atmósfera de silenciosa reverencia.


Un teatro del declive industrial de Italia se desarrolla a través de una secuencia de espacios de almacén llenos de viejas máquinas y aparejos provenientes de fábricas abandonadas, reliquias de una era pasada de productividad y prosperidad. Están marcados por un espeluznante interior doméstico, con múltiples puertas a ninguna parte y el fantasma de un crucifijo en la pared detrás de una cama vacía. El recorrido laberíntico llega a un final inundado que podría leerse como aniquilación, si no fuera por las luces distantes que perforan la oscuridad, un signo de esperanza para la humanidad frente a la catástrofe climática, según el artista.



 


Venice Biennale 2022: the must-see pavilions in the Arsenale

OCA|News / Bienal de Venecia 2022 / Art Newspaper / Junio 27, 2022 / Internacional / Fuente externa

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From a Gauguin impersonation to fire raining from the sky, here are the best exhibitions in the city's former shipyards


José da Silva, Gareth Harris, Hannah McGivern and Tom Seymour


A detail of Ayman Baalbaki Janus Gate (2021), on show at the Lebanese Pavilion Photo: Federico Vespignani © LVAA

Lebanese Pavilion The World in the Image of Man, Danielle Arbid and Ayman Baalbaki The installations on show in the Lebanese Pavilion reflect the never-ending chaos afflicting the Middle Eastern country, which has collapsed both economically and politically. Arbid’s split-screen video, Allô Chérie (2022), is stopping visitors to the Arsenale in their tracks—what is this sinister car chase around Beirut and why is the woman who narrates the piece constantly chasing down money? “The voice in the film is my mother’s,” Arbid tells The Art Newspaper. “I installed a spying machine in her mobile phone with her consent. I thought she had a very quiet life but then discovered she had a secret and was running her own banking system.” The frenzied, desperate audio recording was made three years ago but the video piece was put together this year, gaining significance following the huge explosion in the port of Beirut in August 2020, which left more than 200 people dead. “Lebanon has so many money problems,” Arbid says. Baalbaki’s two-sided installation, Janus Gate (2021), reinforces the idea of a fragmented city; one side is covered in alluring neon lights and spray-painted tarpaulins while a disconcerting hut filled with detritus sits behind the tawdry façade, illustrating eloquently and forcefully the “two faces” of Beirut. Courtesy of Turba Tol and Ministry of Cultures, Arts and Heritage of Chile © Ugo CarmeniChilean Pavilion

Turba Tol Hol-Hol Tol, various artists and researchers What is it like to be lowered into the depths of a peat bog? The Chilean Pavilion recreates the journey as visitors are led onto a circular platform surrounded by a translucent screen onto which is projected footage of the descent into the squelchy belly of a peat bog. All around is live wet moss, the smell of which hits you even before you enter the pavilion. A soundtrack makes the floor tremble as tribal chants, guttural noises and high-pitched whoops fill the air. As you re-emerge into the daylight, figures dance a ring around you. But all this theatre has a serious point—understanding and, more importantly, conserving peat bogs is essential if we are to successfully mitigate rising CO2 emissions caused by human activities. According to the presentation's organisers, peat bogs “absorb more carbon than forests, a capability that makes these wetlands one of the most valuable ecosystems on the planet”. These lands, in this case situated on the southern tip of South America in Patagonia, are also of cultural importance. Here they have been home to the indigenous Selk’nam people for eight millennia. And they will need to continue to exist if we are to have any hope of human existence on this planet for many more millennia. (For more about peat bogs and Selk'nam culture, visit the pavilion’s fascinating website.) Venice Biennale 2022 Venice Biennale 2022: the must-see pavilions in the GiardiniAlison Cole, José da Silva, Aimee Dawson, Gareth Harris, Hannah McGivern and Tom Seymour Installation view of Herbert Rodríguez's Peace is a Corrosive Promise, in the Peruvian PavilionPhoto courtesy of the Peruvian PavilionPeruvian Pavilion

Peace is a Corrosive Promise, Herbert Rodriguez Herbert Rodriguez was once a studious fine art student at the Pontificia Universidad Católica in Lima, Peru. But, at the age of 21, he quit and disappeared into the shadows of the Subterráneos. Throughout the 1980s, the young artist made the underground of Lima his gallery, working amidst new collectives like Artistas Visuales Asociados and the Las Bestias group. The work on show in Venice responds to the realities of Peru’s new democracy, one born from the ashes of a 12-year junta rule. The title of the exhibition, Peace is a Corrosive Promise, reflects the authoritarianism, terrorism and unrelenting violence that often defined Peru’s early attempts at democracy, as warring factions battled for power and supremacy. Rodriguez is the sole representative of Peru in its pavilion, and this is one of the first times the artist has been significantly recognised by the established Western art world. But this is not fine art, it’s punk. Rodriguez has always remained disinterested in the gallery system. His work is fungible and raw; throwaway agit-prop made for the street. The work on show in Venice is printed on cheap, mass-produced paper; as it was in Lima in the 1980s. The works are direct to the point of lurid—collages shaped to resemble a penis, filled with photographs taken from porn magazines cut and shaped to tesselate with documentary images of conflict, or interspersed with headlines reporting political violence taken from newspapers. But the intent is clear. One work repurposes text from an Amnesty International report, dating to October 1983, which detailed torture, disappearances and executions in the Peruvian capital. Rodriguez transforms the dry, technical text into a loud graphic animation. An installation view of Yuki Kihara's Paradise Camp in the New Zealand PavilionPhoto: Luke WalkerNew Zealand Pavilion

Paradise Camp, Yuki Kihara With wit and verve, Yuki Kihara reworks the problematic Polynesian paintings of Paul Gauguin to centre members of Samoa’s “third gender” community, the Fa’afafine, including herself. A culturally recognised group in Samoan society for generations, Fa’afafine are people who were assigned male at birth but who express their gender in a feminine way. When Kihara first saw Gauguin’s paintings at the Metropolitan Museum of Art in New York in 2008, she was struck by the resemblance between the semi-nude Tahitian women he depicted and her Fa’afafine friends. Revisionist research by the Maori scholar Ngahuia Te Awekotuku has even suggested that Gauguin’s models were Mahu, members of Tahiti’s “third gender”. These were the twin inspirations behind Kihara’s Paradise Camp project, dissecting the painter’s erotic and exotic images of a “paradise” island, and re-enacting them as celebratory portraits of Samoan queer culture. This triumphant photographic series, sized to match Gauguin’s original paintings, covers two walls of the pavilion. Meanwhile, Kihara literally confronts Gauguin head on in a video that imagines a conversation between the 19th century painter—Kihara transformed herself via prosthetics and a fake moustache—and her actual self as an empowered Fa’afafine and artist. Rather than rejecting his work out of hand, she informs him that she is merely “upcycling” the paintings into “something far more fabulous”. Arcangelo Sassolino's Diplomazia Astuta in the Maltese PavilionPhoto: Agostino Osio, Alto PianoMaltese Pavilion

Diplomazia Astuta (Cunning Diplomacy), Arcangelo Sassolino, Giuseppe Schembri Bonaci and Brian Schembri Entering the Maltese Pavilion is a little like coming upon the final moments of a biblical storm of fire and brimstone. Drips of actual molten steel drop down into seven square water tanks, each representing the figures in Caravaggio’s The Beheading of St John the Baptist (1608). A complex system is hidden in the installation’s ceiling, feeding a loop of steel through an induction system that heats it to 1,500°C before it drips down, like a miniature ball of liquid fire, before fizzing out in the water. Beyond the molten metal and tubs is a vast solid steel plate, the same size as Caravaggio’s canvas and on the reverse of which are inscribed biblical texts. The curatorial blurbs bring several themes to the table, from allegories of “the continuous cycle of agency and loss” to overlaying the “noetic onto the metaphysical”. But usurping these intricate—and sometimes overcomplicated—narratives and concepts is the primordial wonder (the “maravilla” as co-curator Keith Sciberras puts it) of entering a room and seeing fire raining from the sky. Gian Maria Tosatti's History of Night and Destiny of Comets for the Italian PavilionCourtesy of DGCC - MiCItalian Pavilion

History of Night and Destiny of Comets, Gian Maria Tosatti At the far end of the Arsenale lies the cavernous Italian Pavilion, a 2,000 sq. m space that dwarfs many other national pavilions put together. Here Gian Maria Tosatti, the first solo artist ever selected to show in this enormous blank canvas, has found the perfect foil for his site-specific environmental installations. Waiting in a queue outside, visitors are instructed to enter one at a time and to remain silent inside the pavilion, so as to preserve the immersive experience. Do not be discouraged by these rules, or the work’s grandiose title: Tosatti has orchestrated a true transformation that is heightened by the atmosphere of hushed reverence. A theatre of Italy’s industrial decline unfolds through a sequence of warehouse spaces filled with old machines and riggings sourced from abandoned factories—relics from a bygone era of productivity and prosperity. They are punctuated by an eerie domestic interior, with multiple doors to nowhere and the ghost of a crucifix on the wall behind an empty bed. The labyrinthine tour comes to a waterlogged finale that could be read as annihilation, were it not for the distant lights piercing the darkness—a sign of hope for humanity in the face of climate catastrophe, according to the artist.



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OCA | News: 05

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FEB./MAR./ ABR.: 2020 Ossaye Casa de Arte, (OCA) reflexiona sobre el inicio de este nuevo año 2020, entendiendo las necesidades de enfocarlo a través de un hilo conductor in crescendo, con brillantez, a propósito de mostrar los potenciales de las artes en el país. Asimilar las plataformas expositoras donde reside la cultura real, con autenticidad de valores que permee los sentidos. Es imperativo el desarrollo de la cultura visual, y la presentación del pensamiento creativo.

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OCT. / NOV. / DIC. / 2019 La presente publicación se la dedicamos a un artista en especial, que habita entre nosotros y reside en las galaxias, el artista visual: Jorge Pineda. Maravilloso!, dentro y fuera de nuestro mapa isla, ciudad. Por siempre destacarse por sus excelencias, por ello sus méritos. Para OCA, es un privilegio contar su historia en un diálogo y lenguaje que nos permite analizar mejor el pensamiento creativo de este artista.

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JUL./ AGOT./ SEP. 2019 En esta edición le rendimos  homenaje póstumo a Belkis Ramírez, artista visual dominicana.  Donde tratamos los temas de la 78va. Edición de la Feria del Libro de Madrid, España. La Bienal de La Habana, 2019 / La 58 Bienal de Venecia, 2019 / Premio Diario Libre Contemporáneo, 2019 / El Arte público; entre otras noticias y destacadas exhibiciones del acontecer del arte nacional y del extranjero.

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Marzo / Abril / Mayo: 2018 Una plataforma editorial impresa con Web-digital, especializada en las noticias de las artes visuales contemporáneas de punta, nacional e internacional. En su inicio tendrá un periódico de circulación trimestral ( 4 veces al año ) el cual contará con espacios para anunciantes corporativos e institucionales, vinculado al arte y la cultura con interacción directa a nuestro portal  oficial:

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OCT./ NOV. / DIC.: 2018 Por razones culturales, entiende Ossaye Casa de Arte (OCA), se hace necesario llenar espacios en los ámbitos de las artes visuales; por lo cual decide aprestarse a la creación de una nueva plataforma digital e impresa, para, desde allí, formular y replantear las tendencias y modos de ver, entendiendo que hay nuevos códigos globales del arte, los cuales Una Colección de Concurso: XXVII Concurso de Arte Eduardo León Jimenes

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