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Por: KYLE CHAYKA / September 11, 2020 / Art News / Fuente externa
Durante la última década, las portadas de Vogue han seguido una fórmula general: vestir a una celebridad o modelo con un estilo fluido de diseñador, colocarlos en una pose angular y luego centrar su rostro en la revista para obtener la máxima visibilidad en el puesto de periódicos. Los resultados parecen tantos retratos reales repetidos en el ala de un museo. Pero para el número de septiembre de este año, siempre el más importante del año, la revista trabajó con dos pintores para crear un par de portadas. El modelo imaginado de Kerry James Marshall usa un vestido de noche asimétrico de color blanquecino, mientras que el retrato de Jordan Casteel de Aurora James presenta al diseñador en una azotea de Brooklyn en una avalancha de seda azul. Ambas pinturas son notables en sí mismas, pero se destacan aún más contra esa fórmula formal de portada fotográfica. Son texturizados, evocadores y emocionantes, convirtiendo la revista en un objeto de arte coleccionable.
Además de todo lo demás, la pandemia ha provocado una crisis de identidad para las revistas de moda. La cuarentena hizo que las habituales sesiones de fotos de alta producción fueran casi imposibles. Algunas publicaciones adaptadas por distanciamiento social seguro utilizando drones o teleobjetivos. Para un perfil de Larry David en el New York Times, el fotógrafo Jake Michaels disparó al comediante a través de una ventana. En abril, Sports Illustrated, generalmente cubierto por un retrato, publicó una imagen de asientos de estadio vacíos. Sin embargo, la mejor solución que ha surgido podría ser anterior a la fotografía: utilice otro tipo de artista. Además de Vogue, Rolling Stone encargó un retrato de Greta Thunberg a Shephard Fairey para su edición de abril y Vanity Fair le pidió a Amy Sherald que representara a Breonna Taylor, la mujer negra que fue asesinada por la policía en marzo para su edición de septiembre. The New Yorker, que siempre ha utilizado ilustraciones en lugar de fotografías como portadas, publicó recientemente su primera portada de la pintora Grace Lynne Haynes, un retrato de la activista negra Sojourner Truth.
En un movimiento inquietantemente profético, la Vogue italiana reemplazó toda la fotografía para su edición de enero de 2020 con ilustraciones, incluido el trabajo de artistas como David Salle y Vanessa Beecroft. Se pensó como una provocación sobre la sostenibilidad: nadie tenía que viajar y, por lo tanto, dañar el medio ambiente para producir las imágenes. Pero muy pronto, nadie podría viajar aunque quisiera. En este caso, la dificultad ha generado innovación editorial. El retrato de Casteel de Vogue de Aurora James, claramente realista, es un testimonio elocuente tanto de la moda y el arte como de sus creadores: una mujer negra que representa a otra. ¿Quién necesita fotos?
Las portadas de revistas han tenido un destino incierto desde el auge de Instagram en la década de 2010. En las redes sociales, las celebridades pueden presentar fotos de sí mismas directamente a una audiencia de millones. Dada su ubicuidad en línea, estas imágenes de alto valor de producción se desconectaron de cualquier tipo de producto impreso. Las revistas de moda incluso empezaron a publicar “portadas digitales” para crear rumores en torno a historias particulares, adaptando una idea analógica para la transmisión digital.
Las cubiertas alguna vez se basaron en la escasez. Si anteriormente su función era presentar una única imagen icónica para que sirviera como representación del momento, captando miradas y generando ventas en los puestos de periódicos, entonces Internet proporciona cien imágenes icónicas de este tipo al día. Además, los más populares suelen ser no planificados o generados por el usuario en forma de memes virales o secuencias de vídeo, documentos sin procesar de noticias de última hora. La imagen más imborrable de Breonna Taylor todavía no es la pintura de la portada de Vanity Fair, sino una selfie que se tomó a la luz del sol, con el pelo recogido en un remolino y una suave sonrisa en el rostro. No participó ningún artista o fotógrafo; es un autorretrato. (La selfie se convirtió en la portada de la edición de septiembre de la revista Oprah por el artista Alexis Franklin).
La portada del artista podría ser una respuesta a este diluvio digital, dado un impulso adicional por la dificultad de las sesiones de fotos en la pandemia. Ya consumimos más fotografías de las que podemos digerir; los no artistas tomamos y publicamos fotografías nosotros mismos varias veces al día. Los tipos de manipulación cosmética e idealización que Vogue traficaba para sus portadas ahora son comunes con las aplicaciones y filtros de bricolaje. Las fotos tienen menos novedades que nunca. Pero la obra de arte original encargada especialmente para un número de revista, una imagen única que no habría existido de otra manera, es más una novedad. A pesar de que se ha reproducido en millones de copias de revistas, aún conserva más un aura que otra foto.
El drama de una sesión de fotos de gran presupuesto con accesorios y cambios de vestuario da paso al evento más tranquilo de colaborar con una única y célebre voz creativa. Una revista participa del caché cultural de un artista y su fluidez visual (¿quién mejor para crear una imagen icónica?), Mientras que el artista llega a una audiencia pública mucho más grande en forma impresa y en línea que lo que normalmente ofrece una galería o un museo. La portada de Marshall en Vogue es probablemente la mayor exposición que ha tenido su trabajo desde que Sean "Diddy" Combs compró su lienzo "Past Times" en 2018 por 21 millones de dólares.
Nuestra cultura algorítmica adicta a la alimentación siempre busca un sentido de autenticidad perdida. En este momento, el arte se siente más auténtico que la fotografía; atraviesa parte del ruido visual de Internet y aún genera el tipo de titulares que benefician a las ventas de revistas, como lo hacían las sesiones de fotos más importantes. El nombre de Sherald, famoso desde el debut de su retrato de Michelle Obama, también está en la portada de Vanity Fair; la propia artista es de interés periodístico.
Sherald, Fairey y Marshall comparten, en diferentes grados, estilos reconocibles que un lector convencional podría reconocer con solo ver la portada. No es cualquier artista el que puede proporcionar una portada exitosa para una gran corporación de medios; Hay un aspecto del reconocimiento de marca que hace que el cambio sea más fácil de vender tanto a los editores como a los lectores. Condé Nast está puliendo su credibilidad como aliado cultural al tiempo que reorganiza su estética.
No es una coincidencia que muchos de los artistas elegidos para las portadas sean negros; la tendencia debe verse en el contexto del levantamiento Black Lives Matter. Si bien estas colaboraciones son más específicas y exitosas que las marcas comerciales que hacen declaraciones anodinas de apoyo al activismo, las revistas de lujo les han fallado tanto a los creadores como a los lectores negros en el pasado. Vogue solo tuvo su primer fotógrafo de portada negra en 2018, con el retrato de Beyonce de Tyler Mitchell. Este agosto, la revista también fue criticada por el retrato de Simone Biles de Annie Leibovitz, que utilizó una iluminación desafortunada que lavó la piel de la gimnasta. El editor de la revista se encuentra en medio de un ajuste de cuentas más amplio, que se extiende desde el éxodo del ex editor en jefe de Bon Appetit, Adam Rapoport, hasta las críticas generalizadas de la directora creativa Anna Wintour, incluso de su ex aliado de Vogue, Andre Leon Talley.
Wintour se ha comprometido a diversificar su grupo de talentos, que las portadas de artistas logran doblemente, tanto en creador como en medio. Es una tendencia pandémica que felizmente podría mantenerse.
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For Glossy Magazines, Black Art Now Matters
For the past decade, Vogue covers have followed an overall formula: dress up a celebrity or model in flowing designer fashion, arrange them into an angular pose, and then center their face on the magazine for maximum newsstand visibility. The results look like so many repetitive royal portraits in a museum wing. But for this year’s September issue, always the year’s biggest, the magazine worked with two painters to create a pair of covers. Kerry James Marshall’s imagined model wears an asymmetrical Off-White evening dress while Jordan Casteel’s portrait of Aurora James presents the designer on a Brooklyn rooftop in an avalanche of blue silk. Both paintings are remarkable in and of themselves, but they stand out even more against that staid photographic cover formula. They’re textured, evocative, and exciting, turning the magazine into a collectible art object.
On top of everything else, the pandemic has caused an identity crisis for glossy magazines. Quarantine made the usual high-production photo shoots all but impossible. Some publications adapted by safely social-distancing using drones or telephoto lenses. For a New York Times profile of Larry David, photographer Jake Michaels shot the comedian through a window. In April, Sports Illustrated, usually covered by a portrait, ran an image of empty stadium seats instead. The best solution that has emerged might predate photography, however: use another kind of artist. Besides Vogue, Rolling Stone commissioned a portrait of Greta Thunberg from Shephard Fairey for its April issue and Vanity Fair asked Amy Sherald to depict Breonna Taylor, the Black woman who was killed by police in March for its September issue. The New Yorker, which has always used illustrations rather than photographs as covers, recently ran its first cover by the painter Grace Lynne Haynes, a portrait of the Black activist Sojourner Truth.
In an eerily prophetic move, Italian Vogue replaced all of the photography for its January 2020 issue with illustrations, including work by artists like David Salle and Vanessa Beecroft. It was meant as a provocation about sustainability—no one had to travel, and thus damage the environment, to produce the imagery. But soon enough, no one could travel even if they wanted to. In this case, difficulty has bred editorial innovation. Casteel’s Vogue portrait of Aurora James, crisply realist, is an eloquent testament to both fashion and art as well as their creators: one Black woman depicting another. Who needs photos?
Magazine covers have had an uncertain fate since the rise of Instagram in the 2010s. On social media, celebrities can debut photos of themselves directly to audiences of millions. Given their ubiquity online, such high-production-value images became disconnected from any kind of print product. Fashion magazines even began releasing “digital covers” to create buzz around particular stories, retrofitting an analog idea for the digital stream.
Covers were once predicated on scarcity. If their role was previously to present a single iconic image to serve as a representation of the moment, grabbing eyes and netting newsstand sales, then the Internet provides a hundred such iconic images a day. What’s more, the most popular are usually unplanned or user-generated in the form of viral memes or video footage, raw documents of breaking news. The most indelible image of Breonna Taylor still isn’t the painting on the Vanity Fair cover, but a selfie she took in bright sunlight, her hair swept into a whirl and a gentle smile on her face. No artist or photographer was involved; it’s a self-portrait. (The selfie was turned into a cover for the September issue of Oprah magazine by the artist Alexis Franklin.)
The artist cover might be a response to this digital deluge, given a further boost by the difficulty of photoshoots in the pandemic. We already consume more photography than we can digest; we non-artists take and publish photographs ourselves multiple times a day. The kinds of cosmetic manipulation and idealization that Vogue trafficked in for its covers are now commonplace with do-it-yourself apps and filters. Photos have less novelty than ever. But the original work of art commissioned specially for a magazine issue, a unique image that wouldn’t have existed any other way, is more of a novelty. Even though it’s reproduced across millions of magazine copies, it still maintains more of an aura than yet another photo.
The drama of a big-budget photo shoot with props and costume changes gives way to the quieter event of collaborating with a single, celebrated creative voice. A magazine partakes of an artist’s cultural cache and their visual fluency—who better to create an iconic image?—while the artist reaches a much larger public audience in print and online than a gallery or museum usually affords. Marshall’s Vogue cover is probably the most exposure his work has seen since Sean “Diddy” Combs bought his canvas “Past Times” in 2018 for $21 million.
Our algorithmic feed-addicted culture is always pursuing a sense of lost authenticity. At this moment, art feels more authentic than photography; it breaks through some of the Internet’s visual noise and still drives the kind of headlines that benefit magazine sales, as major photoshoots once did. Sherald’s name, famous since the debut of her Michelle Obama portrait, is on the cover of Vanity Fair as well—the artist herself is newsworthy.
Sherald, Fairey, and Marshall share, to different extents, recognizable styles that a mainstream reader might recognize just from seeing the cover. It’s not just any artist who can provide a successful cover for a huge media corporation; there’s an aspect of brand recognition that makes the change an easier sell to both editors and readers. Condé Nast is burnishing its credibility as a cultural ally while shaking up its aesthetic.
It’s not a coincidence that many of the artists chosen for the covers are Black; the trend must be seen in the context of the Black Lives Matter uprising. While these collaborations are more specific and successful than commercial brands making bland support statements of activism, luxury magazines have failed both Black creators and readers in the past. Vogue only had its first Black cover photographer in 2018, with Tyler Mitchell’s portrait of Beyonce. This August, the magazine was also criticized for Annie Leibovitz’s portrait of Simone Biles, which used some unfortunate lighting that washed out the gymnast’s skin. The magazine publisher is in the midst of a larger reckoning, one that stretches from the exodus of Bon Appetit’s former editor-in-chief Adam Rapoport to widespread critiques of creative director Anna Wintour, including from her former Vogue ally Andre Leon Talley.
Wintour has pledged to diversify her talent pool, which the artist covers accomplish doubly, both in creator and medium. It’s one pandemic trend that could happily stick around.
