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La decisión Warhol de la Corte Suprema acaba de cambiar el futuro del arte


Durante cerca de 30 años, hasta la semana pasada, los tribunales han luchado con la cuestión de cuándo los artistas pueden tomar prestados trabajos anteriores centrándose en gran parte en si el nuevo trabajo fue "transformador": si alteró el primero con "nueva expresión, significado o mensaje” (en palabras de una decisión de la Corte Suprema de 1994). En caso de éxito de taquilla tras caso de éxito de taquilla que involucra a artistas importantes como Jeff Koons y Richard Prince, los tribunales inferiores hicieron esa pregunta repetidamente, incluso si a menudo llegaban a resultados dispares.



OCA|News / US Corte Suprema / Julio 1, 2023 / Internacional / Fuente externa



Un hombre blanco con anteojos polarizados y cabello ralo cuya boca cuelga ligeramente abierta. Andy Warhol, 1971. GETTY IMAGES


Por Amy Adler / Art in America


Pero en una decisión importante la semana pasada que involucró a Andy Warhol, la Corte Suprema relegó este pilar de la ley de derechos de autor a un segundo plano. En cambio, el Tribunal desvió la consideración de la contribución artística de la nueva obra y se centró en cambio en las preocupaciones comerciales. Al hacerlo, la decisión de Warhol de la Corte limitará significativamente la cantidad de préstamos y la construcción de obras anteriores en las que los artistas pueden participar.



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El caso involucró 16 obras que Andy Warhol había creado en base a una fotografía con derechos de autor tomada en 1981 por la célebre fotógrafa de rock and roll Lynn Goldsmith del músico Prince. Si bien Goldsmith había disputado el derecho de Warhol a crear estas obras y, por implicación, los derechos de los museos y coleccionistas a exhibirlas o venderlas, la Corte Suprema decidió el caso sobre un tema mucho más limitado.


Cuando Prince murió en 2016, la Fundación Warhol (que ahora ocupa el lugar del artista) había autorizado una de las serigrafías de Warhol para la portada de una revista especial de Condé Nast en memoria del músico. Explícitamente sin expresar ninguna opinión sobre la cuestión de si Warhol tenía derecho a crear las obras en primer lugar, el Tribunal dictaminó 7-2 que era poco probable que esta licencia específica de la imagen fuera un "uso justo" según la ley de derechos de autor.


Este no es necesariamente un resultado problemático, dado que Goldsmith también tenía un mercado de licencias. Sin embargo, a pesar del intento de la Corte de limitarse al tema de la licencia en lugar de decidir si la creación de los lienzos originales por parte de Warhol estaba permitida, el razonamiento de la decisión tiene implicaciones mucho más amplias y preocupantes.


Para saber lo que está en juego, es importante comprender la tensa doctrina del "uso justo", que equilibra los derechos de los creadores de controlar sus obras con los derechos del público y de otros creadores de acceder a ellas y desarrollarlas.




Hombre púrpura Un retrato de Prince por Andy Warhol, utilizando la imagen de Lynn Goldsmith como material de origen.



MEDIANTE DOCUMENTO DEL TRIBUNAL DE APELACIONES

Lo que a veces se pierde en esta discusión es que el propósito de la ley de derechos de autor (quizás sorprendentemente) es beneficiar al público; el beneficio para un artista individual es sólo incidental. La teoría detrás de la ley es que si queremos una cultura rica y vibrante, debemos otorgar a los artistas derechos de autor sobre su trabajo para garantizar que tengan incentivos económicos para crear. Pero por la misma lógica, el uso justo reconoce que una cultura vital también requiere dar espacio a otros artistas para copiar y transformar obras con derechos de autor, incluso si el creador original de esas obras se opone. De lo contrario, en palabras de la Corte Suprema, la ley de derechos de autor “sofocar la creatividad misma” que pretende fomentar. Por lo tanto, para ganar un reclamo de uso justo, un nuevo creador debe demostrar que su uso del trabajo protegido por derechos de autor de otra persona promueve los objetivos de los derechos de autor en sí: promover la creatividad.


Desafortunadamente, la decisión de Warhol tomó esta ya compleja área del derecho y la hizo aún más complicada. Los tribunales inferiores y los estudiosos del derecho lucharán durante años por sus aplicaciones. Pero una cosa está clara: ahora es mucho más arriesgado para un artista tomar prestado de un trabajo anterior.


La Corte no solo rebajó la importancia de si un nuevo trabajo es transformador, si “agrega algo nuevo e importante” (para usar las palabras de la Corte Suprema de un caso anterior). La Corte también pintó una imagen extraña de Warhol como un artista intrascendente. Seguramente los Magistrados de la Corte Suprema saben que Warhol cambió el rumbo de la historia del arte. Pero el Warhol que surge en la opinión mayoritaria es un retratista manso cuyo trabajo no es tan diferente de las fotografías en las que se basa.


Dos mujeres blancas, una morena, la otra con cabello blanco, de pie en los escalones de un juzgado de estilo clásico. La mujer de cabello blanco sostiene un iPhone y sonríe. Lynne Goldsmith (a la derecha) en la Corte Suprema.


La fotografía subyacente sacó a relucir un significado que ya era inherente a ella, cuyo trabajo retrató a Prince "algo diferente" de la imagen de Goldsmith. La jueza Elena Kagan, en un desacuerdo mordaz, acusó que la mayoría había reducido a Warhol a un filtro de Instagram.


En ninguna parte de la opinión mayoritaria reconocería a Warhol como un artista que alguna vez fue radical, al que De Kooning se acercó borracho en un cóctel para decir: "Eres un asesino del arte, eres un asesino de la belleza". En ninguna parte se ve al Warhol a quien el filósofo Arthur Danto llamó “lo más parecido a un genio filosófico que ha producido la historia del arte”. Ese Warhol es el paradigma de un artista que aporta un nuevo "significado y mensaje" a la obra que copia, el mismo tipo de artista que el énfasis ahora disminuido en el uso transformador pretendía proteger.


Por supuesto, esta decisión no se trata solo de Warhol. De hecho, no se trata solo de otros artistas pop o de artistas de la apropiación.


Cualquier artista que trabaje con imágenes existentes ahora debería reconsiderar su práctica. Contrate a un abogado, tal vez intente negociar una licencia y prepárese para seguir adelante si lo rechazan o no puede pagar la tarifa. La ruta más segura y económica, una consideración particularmente relevante para los artistas más jóvenes y aquellos que no son ricos ni famosos, es evitar hacer referencia al trabajo existente. Tal vez esa sea la dirección correcta para el arte; tal vez debería desaconsejarse copiar y confiar en trabajos anteriores. Pero dada la centralidad de la alusión, la emulación y la copia en la historia del arte, es difícil imaginar que eso sea algo bueno. Esto es particularmente así en la cultura digital contemporánea, donde, como he argumentado, la copia ha adquirido una urgencia aún mayor en la creatividad. Pero nos guste o no, estas no son preguntas que los artistas, los críticos y el público del arte puedan decidir.


El Tribunal Supremo acaba de cambiar el futuro del arte.




 



The Supreme Court’s Warhol Decision Just Changed the Future of Art


By Amy Adler


For close to 30 years—up until last week—courts have wrestled with the question of when artists can borrow from previous works by focusing in large part on whether the new work was “transformative”: whether it altered the first with “new expression, meaning or message” (in the words of a 1994 Supreme Court decision). In blockbuster case after blockbuster case involving major artists such as Jeff Koons and Richard Prince, lower courts repeatedly asked that question, even if they often reached disparate results.


But in a major decision last week involving Andy Warhol, the Supreme Court pushed this pillar of copyright law to the background. Instead, the Court shifted the consideration away from the artistic contribution of the new work, and focused instead on commercial concerns. By doing so, the Court’s Warhol decision will significantly limit the amount of borrowing from and building on previous works that artists can engage in.


When Prince died in 2016, the Warhol Foundation (now standing in the artist’s shoes) had licensed one of Warhol’s silkscreens for the cover of a special Condé Nast magazine commemorating the musician. Explicitly expressing no opinion on the question of whether Warhol had been entitled to create the works in the first place, the Court ruled 7-2 that this specific licensing of the image was unlikely to be “fair use” under copyright law.


This is not necessarily a problematic result, given that Goldsmith also had a licensing market. Yet despite the Court’s attempt to limit itself to the narrow licensing issue instead of deciding whether Warhol’s creation of the original canvases was permissible, the reasoning of the decision has far broader and more troubling implications.


To know what’s at stake, it’s important to understand the fraught doctrine of “fair use,” which balances the rights of creators to control their works against the rights of the public and other creators to access and build on them.



What’s sometimes lost is in this discussion is that copyright law’s purpose (perhaps surprisingly) is to benefit the public—benefit to an individual artist is only incidental. The theory behind the law is that if we want a rich and vibrant culture, we must give artists copyright in their work to ensure they have economic incentives to create. But by the same logic, fair use recognizes that a vital culture also requires giving room to other artists to copy and transform copyrighted works, even if the original creator of those works objects. Otherwise, in the Supreme Court’s words, copyright law “would stifle the very creativity” it is meant to foster. Thus, to win a fair use claim, a new creator must show that her use of someone else’s copyrighted work advances the goals of copyright itself: to promote creativity.


Unfortunately, the Warhol decision took this already complex area of law and made it even more complicated. Lower courts and legal scholars will be fighting for years about its applications. But one thing is clear: it is now far riskier for an artist to borrow from previous work.


Not only did the Court downgrade the importance of whether a new work is transformative, whether it “adds something new and important” (to use the Supreme Court’s words from a previous case). The Court also painted a bizarre picture of Warhol as an inconsequential artist. Surely the Justices of the Supreme Court know that Warhol changed the course of art history. But the Warhol who emerges in the majority opinion is a tame portraitist whose work is just not that different from the photographs on which it is based.


Two white woman, one a brunette, the other with white hair, standing on the steps of a classically styled courthouse. The white-haired woman holds up an iPhone and smiles.

Lynne Goldsmith (at right) at the Supreme Court.

GETTY IMAGES

In the Justices’ formulation, Warhol is a “style,” an artist whose “modest alterations” of the underlying photograph brought out a meaning that was already inherent in it, whose work portrayed Prince “somewhat differently” from Goldsmith’s image. Justice Elena Kagan, in a scathing dissent, charged that the majority had reduced Warhol to an Instagram filter.


Nowhere in the majority opinion would you recognize Warhol as a once-radical artist, the one de Kooning drunkenly approached at a cocktail party to utter, “You’re a killer of art, you’re a killer of beauty.” Nowhere does one see the Warhol whom philosopher Arthur Danto called “the nearest thing to a philosophical genius the history of art has produced.” That Warhol is the paradigm of an artist who brings new “meaning and message” to the work he copies, the very kind of artist that the now-diminished emphasis on transformative use was meant to protect.


Of course, this decision is not just about Warhol. For that matter, it’s not just about other Pop artists, or about appropriation artists.


Any artist who works with existing imagery should now reconsider her practice. Hire a lawyer, maybe try to negotiate a license and be ready to move on if you get turned away or can’t afford the fee. The safest and cheapest route—a consideration particularly relevant to younger artists and those who are not rich and famous—is to just steer clear of referencing existing work. Maybe that’s the right direction for art; maybe copying and relying on past work should be discouraged. But given the centrality of allusion, emulation, and copying to the history of art, it’s hard to imagine that’s a good thing. This is particularly so in contemporary digital culture, where, as I have argued, copying has taken on even greater urgency in creativity. But like it or not, these are not questions that artists, critics, and art audiences get to decide. The Supreme Court just changed the future of art.

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OCT. / NOV. / DIC. / 2019 La presente publicación se la dedicamos a un artista en especial, que habita entre nosotros y reside en las galaxias, el artista visual: Jorge Pineda. Maravilloso!, dentro y fuera de nuestro mapa isla, ciudad. Por siempre destacarse por sus excelencias, por ello sus méritos. Para OCA, es un privilegio contar su historia en un diálogo y lenguaje que nos permite analizar mejor el pensamiento creativo de este artista.

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JUL./ AGOT./ SEP. 2019 En esta edición le rendimos  homenaje póstumo a Belkis Ramírez, artista visual dominicana.  Donde tratamos los temas de la 78va. Edición de la Feria del Libro de Madrid, España. La Bienal de La Habana, 2019 / La 58 Bienal de Venecia, 2019 / Premio Diario Libre Contemporáneo, 2019 / El Arte público; entre otras noticias y destacadas exhibiciones del acontecer del arte nacional y del extranjero.

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